- MUY FELIZ 2009 -

ADIOS 2008










QUE ESTE AÑO QUE COMIENZA

NOS ENCUENTRE MAS UNIDOS

Y CON FUERZAS RENOVADAS

- QUIROGA -

Horacio Quiroga


Cuentos de amor, de locura y de muerte


Premonitorio título de vida



Escritor uruguayo, nacido en Salto. Deportista y aficionado a las ciencias, funda la tertulia de Los tres mosqueteros y se inicia en las letras bajo el patrocinio de Leopoldo Lugones. Viaja a París en 1900 y hace una breve experiencia de la bohemia pobre. La mayor parte de su carrera transcurre en Argentina, donde llega a ser muy leído por sus cuentos publicados en revistas y recogidos en libro.





Ejerce empleos consulares y la crítica de cine, y pasa largas temporadas en el medio rural de Misiones, en la frontera argentino-paraguayo-brasileña, ambiente del que tomará temas para sus narraciones. Su carrera se abre en la poesía, dentro del ámbito del modernismo, con Los arrecifes de coral (1901), obra sin mayor consecuencia. Una vida dramática, siempre cercana a la estrechez económica, matrimonios conflictivos, experiencias con el hachís y el cloroformo y el constante cerco del suicidio, alimentan su tarea cuentista, una de las más importantes de América.





No le son ajenas las influencias de Rudyard Kipling, Joseph Conrad y, sobre todo, el magisterio de Edgar Allan Poe, por las atmósfera de alucinación, crimen, locura y estados delirantes que pueblan sus narraciones. A veces se remonta a escenas conjeturales de la vida prehistórica o mezcla, con extraña astucia, personajes humanos y animales que hablan, como en las fábulas clásicas, pero estableciendo una sutil frontera entre la vida natural y la civilización.





Sus figuras de pioneros, de europeos abandonados en los confines de la selva, de cansados de la vida y de empresarios alocados, crean un mundo de intransferible personalidad, que no daña el habitual descuido de su redacción. Obras: El crimen de otro (1904), Historia de amor turbio (1908), Cuentos de amor, de locura y de muerte (1917), Cuentos de la selva (1918), El salvaje (1920), Las sacrificadas (1929), Anaconda (1921), El desierto (1924), Los desterrados (1926), Pasado amor (1929), Suelo natal (libro de lectura para niños, en colaboración con Leonard Glusberg) y Más allá (1935).





Se suicidó en Buenos Aires, un 31 de diciembre de 1937.

- DANIEL BARENBOIM -

Año nuevo para Barenboim


Haydn y Oriente Próximo


Concierto de Año Nuevo





El director hispano-argentino con varias ciudadanías conducirá por primera vez la Filarmónica de Viena.





A sus 66 años, el prestigioso maestro Daniel Barenboim iniciará el año 2009 con un debut, pues por primera vez dirigirá el célebre Concierto de Año Nuevo de la Filarmónica de Viena, con un programa en el que destacan Joseph Haydn y Oriente Medio. Así lo explicó hoy en Viena el presidente de los filarmónicos vieneses, Clemens Hellsberg, en una rueda de prensa donde, junto a Barenboim, presentó el programa de este concierto, que desde la Sala Dorada del Musikverein de la capital austríaca se televisará el próximo jueves a 71 países.





"Naturalmente que con Barenboim tenemos un socio ideal. Hace 20 años que trabajamos juntos", dijo Hellsberg al justificar la razón por la cual la orquesta, organizada de forma democrática y sin un director fijo, eligió esta vez al maestro argentino-israel-español, que posee además pasaporte palestino. Barenboim, por su parte, se mostró "impresionado" por la actitud "abierta" y la disponibilidad mental que encontró ayer en los filarmónicos, en su primer ensayo de este concierto.





Dramaturgia orquestal

Al programa "hemos tratado de darle una dramaturgia, porque es un programa con muchas piezas cortas, 19 títulos, y si no hay una dramaturgia del programa es simplemente una colección de propins. Este año no lo es", precisó Barenboim. "Hay una idea muy clara de cómo está construido el programa, con obras más grandes y otras más pequeñas", con tres piezas de la opereta El Barón Gitano, que se estrenó también en Berlín.





Estas piezas dan al concierto "una pequeña unidad, una pequeña sinfonía", añadió el músico, que se mostró además emocionado de que los filarmónicos hayan incluido obras que reflejan algunas estaciones biográficas de su vida. Es el caso, entre otros, "del Vals Español, que nunca lo han tocado ellos, ni yo tampoco. Es una pequeña joyita de (Joseph) Hellmesberger (1855-1907), y ahí van a poder ver exactamente la diferencia entre el ritmo del vals vienés y el vals latino", dijo.
Junto a las novedades, el público volverá a gozar de obras habituales en esta cita, entre ellos las dos últimas propinas: El Danubio Azul y la Marcha Radetzky. Hellsberg destacó hoy que el programa de este año la orquesta se ha acercado un poco "tanto a aspectos personales de Daniel Barenboim, como al jubileo de Joseph Haydn", en alusión a la celebración en 2009 de los 200 años de la muerte de Haydn.





Sinfonía de adioses

Así, entre los estrenos en este evento, además de la batuta de Barenboim, destaca el cuarto movimiento de la Abschiedsymphonie (Sinfonía de los Adioses) de Haydn, con la que se cierra el programa oficial antes de las propinas y que es la primera vez que se incluye en el concierto de valses y polcas. "No es una casualidad que empecemos con una obertura, la de Una noche en Venecia, de Johann Strauss (hijo), que no fue estrenada mundialmente en Viena, sino en Berlín", señaló Hellsberg, resaltando así la dirección de la Filarmónica de la Staatskapelle de Berlín que ostenta Barenboim.





Destacó que este maestro "ha escrito un cuento de hadas moderno con su orquesta del diván" (formada hoy por jóvenes músicos israelíes, palestinos y de otras nacionalidades árabes, así como españoles), y calificó ese proyecto como "una de las acciones más importantes de nuestro tiempo". En homenaje a ese proyecto se interpretará el Vals Cuentos (de Hadas) de Oriente, de Johann Strauss hijo, en la primera parte del programa, dedica exclusivamente a obras del "rey del vals".





Por otro lado, en la versión televisada, que se podrá ver también en España y varios países latinoamericanos, destacarán las coreografías del Ballet de la Opera de Viena a cargo de Vladimir Malajov, que homenajearán a Haydn desde los aposentos del Castillo de Eszterhazy, en la ciudad de Eisenstadt, al extremo este de la república alpina. En la pausa del concierto, la televisión pública austríaca ORF, que cumplirá el jueves 50 años de transmisión de este concierto, ofrecerá un filme que presentará a los músicos de la Filarmónica y a Barenboim en la ciudad de Linz, Capital Cultural Europea de 2009.





Para el 7 de enero se prevé la salida a la venta del CD de este concierto, uno de los más vendidos del mundo, mientras que la versión filmada en DVD se espera para el día 12, y en el nuevo formato Blu-ray, para el 16.

- TALENTO -

Frases y citas célebres


sobre algo tan preciado


como "El Talento"






Es más fácil juzgar el talento
de un hombre por sus preguntas
que por sus respuestas.
Duque de Levis

No hay monstruo más temible
que un hombre que reúne
un malvado corazón
a un sublime talento.
Barón de Holbach





El talento es algo
bastante corriente.
No escasea la inteligencia,
sino la constancia.
Doris Lessing

El secreto de poner en ridículo
a las personas es conceder talento
a aquellos que no lo tienen.
Cristina de Suecia





Bienaventurado el que
tiene talento y dinero,
porque empleará bien
este último.
Menandro

Existe algo mucho más escaso,
fino y raro que el talento.
Es el talento de reconocer
a los talentosos.
Albert Hubbard





Del talento a la cordura
hay una distancia enorme.
Napoleón

Muchos creen que tener talento
es una suerte; nadie que
la suerte pueda ser
cuestión de talento.
Jacinto Benavente





El hombre de talento es
aquel que lo sabe todo
por instinto.
Píndaro

Las ideas son capitales que
sólo ganan intereses entre
las manos del talento.
Rivarol





El genio hace lo que debe
y el talento lo que puede.
George Bulwer-Lytton

El talento, en buena medida,
es una cuestión de insistencia.
Francisco Umbral





Todavía no se han levantado
las vallas que digan al talento:
"De aquí no pasas".
Ludwing Van Beethoven

El genio se compone del
dos por ciento de talento
y del 98 por ciento de
perseverante aplicación.
Ludwing Van Beethoven





El talento es como la salud,
que cuando se disfruta es
cuando menos se conoce.
Helvecio

- DE LA CARCOVA -

Ernesto De La Carcova

Pintor de la generación del ‘80

Aniversario de su muerte


Fue sin dudas uno de los más destacados pintores de la llamada Generación del Ochenta, durante los últimos años del siglo XlX y los primeros del siguiente. Por entonces estaba naciendo la Argentina moderna merced a la transformación social y económica mas profunda de su historia. Ello provocó una serie de transformaciones positivas pero también agudos problemas sociales, que fueron severamente denunciados y combatidos por los iniciadores de los movimientos anarquista y socialista.





La pintura del país dio su primer paso hacia el desarrollo de un arte social con los lienzos “La sopa de los pobres” (1884) de Reinaldo Giudici, premiado en Berlín, “El despertar de la criada” (1887) de Eduardo Sívori y “Sin pan y sin trabajo” (1894) de De la Cárcova, atesorado en el Museo Nacional de Bellas Artes. Esta obra constituyó una vibrante reacción contra el academicismo no sólo por su tema, patético e impresionante, sino también por la técnica de modelar mediante el color, impecablemente aplacada por el artista. Dos décadas mas tarde, hacia el final de su ciclo creativo, De la Cárcova comenzó a utilizar una viva luminosidad, que aclaró mucho su paleta y anunció el impresionismo a la argentina que habría de florecer en el país durante el período subsiguiente.





Nuestro pintor inició sus estudios (1885) en la Sociedad “Estímulo” de Bellas Artes y posteriormente viajó a Italia, donde en 1891 una obra suya expuesta en Turín fue adquirida por la casa real. De regreso en su Buenos aires natal (1893), obtuvo un alto galardón con su mencionada tela del 94 y posteriormente, sin abandonar su obra creativa, se dedicó intensa y fecundamente a la enseñanza. Fundador y primer director tanto de la Escuela superior de Bellas Artes que hoy lleva su nombre como de la Academia Nacional de Bellas Artes, formó numerosos discípulos, algunos de los cuales llegaron a las máximas cumbres de la plástica como Carlos Miguel Victorica, Cesáreo B. De Quirós, Carlos Ripamonte y otros.





Al lauro ya mencionado se le sumaron, entro otros, el Premio de Honor en la Exposición Internacional de Saint Lois, USA(1904); la medalla de oro en la Exposición del Centenario realizada en Buenos Aires (1910); el Primer premio Adquisición en el Salón Nacional (1914); la medalla de plata para artistas extranjeros en Paría (1916). La Presidencia de Francia le otorgó la Legión de Honor en el grado de Caballero y posteriormente en el de Oficial.





Ernesto de la Cárcova nació un 3 de marzo de 1866 en la Ciudad de Buenos Aires y falleció en la misma el 28 de diciembre de 1927.

- BERNSTEIN -

Leonard Bernstein



MÚSICA SIN BARRERAS




Leonard Bernstein nació el 25 de agosto de 1918 en Flafawrence, Massachusetts. Pianista, director de orquesta y compositor. Fue el primer director de orquesta nacido en los Estados Unidos que obtuvo fama mundial. Es conocido por dirigir la Orquesta Filarmónica de Nueva York, sus Conciertos para jóvenes en la televisión de los 60 y sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story (1961), Candide y Un día en Nueva York (1949).





Después de graduarse en la Boston Latin School en 1935 Bernstein acudió a la Universidad Harvard, donde estudió música con Walter Piston y se asoció brevemente con el club Harvard Glee. Al acabar sus estudios en Harvard (1939), ingresó en el Curtis Institute de Philadelphia, donde recibió la única nota de sobresaliente que Fritz Reiner concedió nunca en sus clases de dirección; y en el verano, acudía al Berkshire Music Centre (1940 y 1941). En esta época Bernstein también estudió piano con Isabella Vengerova y Heinrich Gebhard.





Los primeros años de Leonard Bernstein en Nueva York estuvieron llenos de trabajo duro y mucho entretenimiento. Después de una larga lucha interna y un turbulento noviazgo en el que se comprometió y rompió el compromiso varias veces, se casó con Felicia Montealegre Cohn el 9 de septiembre de 1951.





Fue muy considerado como director de orquesta, compositor (sin relación alguna con el compositor de bandas sonoras Elmer Bernstein), pianista y educador. Fue probablemente el director de orquesta más conocido por el público norteamericano, debido a su larga permanencia como director titular de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, en 1944. Dirigió muchas otras orquestas de las más destacadas del mundo. Compuso tres sinfonías, dos óperas, una misa, cinco musicales (entre los que destaca por su popularidad West Side Story), y muchas otras piezas. Siguió diversos estilos: atonalidad, dodecafonismo, jazz.





En 1940 comenzó a estudiar en el instituto de verano de la Orquesta Sinfónica de Boston, Tanglewood, con el director de orquesta Serge Koussevitzki. Bernstein se hizo después asistente de dirección de Koussevitsky.1 Más tarde le dedicó su Sinfonía n.º 2 a Koussevitzki.

Fue nombrado director sustituto de la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Poco después, el 14 de noviembre de 1943, hizo su debut cuando Bruno Walter enfermó. Tuvo un éxito inmediato y se hizo famoso puesto que el concierto se retransmitió a todo el país. El solista ese día histórico fue Joseph Schuster, violonchelista, que interpretó Don Quijote de Richard Strauss. Como Bernstein no había dirigido nunca esta obra, Bruno Walter ensayó con él antes del concierto.





Después de la Segunda Guerra Mundial, la carrera de Bernstein empezó a desarrollarse internacionalmente. En 1949 dirigió el estreno mundial de la sinfonía Sinfonía Turangalila de Olivier Messiaen. Después de la muerte de Serge Koussevitsky en 1951, Bernstein asumió durante muchos años la jefatura de los departamentos orquestal y de dirección de Tanglewood. Fue nombrado Director titular de la Filarmónica de Nueva York desde 1958 hasta 1969. Hasta 1990 fue nombrado director laureado, dirigiendo la orquesta hasta cinco días antes de su muerte.





Se convirtió en una figura muy conocida en los Estados Unidos por una serie de cincuenta y tres programas titulado Conciertos para Jóvenes, que se televisaron a través de la CBS, en la que comentaba las obras que después interpretaba. Algunas de sus lecciones musicales se han divulgado en disco, junto a otras grabaciones premiadas con los Grammy. Hasta hoy, estos Conciertos para Jóvenes se mantiene como el programa de música clásica que más ha durado en una televisión comercial: se emitieron desde 1958 hasta 1972. Más de treinta años después, se repusieron 25 de estos programas en el canal de cable Trio y se comercializaron en DVD.





En 1947 dirigió en Tel Aviv por primera vez, inciando una larga asociación con Israel. En 1957, dirigió el concierto inaugural del Auditorium Mann en Tel Aviv; allí hizo muchas grabaciones. En 1967 dirigió un concierto en el Monte Scopus para conmemorar la reunificación de Jerusalén.

Dentro del género operístico, dirigió el estreno estadounidense de Peter Grimes (1946). En La Scala de Milán dirigió a Maria Callas en Medea de Cherubini y La sonnambula de Bellini. También dirigió un Tristán e Isolda en Munich. En 1966 debutó en la Ópera estatal de Viena dirigiendo Falstaff de Verdi, con producción de Luchino Visconti, y Dietrich Fischer-Dieskau como Falstaff). En 1970 volvió a esa ópera para la producción que hizo Otto Schenk de la ópera de Beethoven Fidelio. En 1986 dirigió su propia obra: A Quiet Place. Se despidió de la ópera de manera accidental en 1989: después de una representación de la Khovanshchina de Mussorgsky de repente entró en el escenario y abrazó al director de orquesta Claudio Abbado en frente de una audiencia sorprendida, pero divertida.





Desde 1970, Bernstein dirigió en muchas ocasiones a la Orquesta Filarmónica de Viena, y con esta orquesta grabó muchas de las obras que ya había registrado antes con la Filarmónica de Nueva York, incluyendo la integral de las sinfonías de Beethoven, Mahler, Brahms y Schumann. Le escogieron en 1973 para la Charles Eliot Norton Chair en su Universidad de Harvard, con el fin de que impartiera una serie de seis clases sobre música. Tomando el título de una obra de Charles Ives, llamó a esta serie de conferencias The Unanswered Question (La pregunta sin respuesta) que discute la evolución de la música clásica occidental hasta ese momento. Estas clases pueden verse hoy en libro y en DVD.
Recibió el premio del Kennedy Center en 1980.





En PBS en los años ochenta del siglo XX, fue el director de orquesta y comentarista de una serie especial sobre la música de Beethoven, que presentaba a la orquesta Filarmónica de Viena interpretando las nueve sinfonías de Beethoven, varias de sus oberturas, y la Missa Solemnis. El actor Maximilian Schell también aparecía en el programa, leyendo algunas cartas de Beethoven.





El día de Navidad, 25 de diciembre de 1989, Bernstein dirigió la Novena Sinfonía de Beethoven en el Schauspielhaus de Berlín Este como parte de una celebración por la caída del Muro de Berlín. El concierto fue retransmitido en directo para más de veinte países, con una audiencia estimada de cien millones de personas. Para la ocasión, Bernstein parafraseó el texto de la Oda a la alegría de Friedrich Schiller, diciendo «libertad» («Freiheit») en lugar de «alegría» («Freude»). «Estoy seguro de que Beethoven nos hubiera dado su consentimiento», dijo Bernstein.





Su actitud en el podio era muy gestual, extravertida, hasta el punto de haber visto criticados sus gestos exagerados. No obstante, fue un director bien considerado por los músicos, en particular los miembros de la Orquesta Filarmónica de Viena y la Orquesta Filarmónica de Israel, de la que fue un frecuente director invitado. Se le consideró particularmente adecuado para dirigir las obras de Gustav Mahler, Aaron Copland, Johannes Brahms, Dmitri Shostakovich, George Gershwin (especialmente Rhapsody in Blue y Un americano en París), y por supuesto con representaciones de sus propias obras (desafortunadamente, Bernstein nunca dirigió representaciones del Concierto para piano en Fa de Gershwin, ni de Porgy and Bess). Tenía la capacidad de ensayar toda una sinfonía de Mahler interpretando cada frase para la orquesta para expresar el significado preciso, y de emitir una manifestación vocal del efecto requerido, con un sutil oído perfecto para el que nada pasaba inadvertido.





Leonard Bernstein murió cinco días después de retirarse. Dirigió su última representación en Tanglewood el 19 de agosto de 1990 con la Sinfónica de Boston interpretando Four Sea Interludes de Britten y la Séptima Sinfonía de Beethoven.

Fallecido el 14 de octubre de 1990.
El día de su funeral, en la comitiva a lo largo de las calles de Manhattan, los obreros de la construcción se quitaron los cascos y saludaron al tiempo que gritaban «Goodbye Lenny». Bernstein está enterrado en el Green-Wood Cemetery (Brooklyn, Nueva York).





• Leonard Bernstein sólo compuso una banda sonora original para cine: La ley del silencio (1954).

• Cuando Bernstein impartía clases de Historia de la Música, solía poner ejemplos de canciones de los Beatles.

• Una vez grabó un disco en el que intervino un famoso pianista con el que no llegó a un acuerdo en la interpretación de las piezas musicales. La experiencia fue tan dura, que optó por grabar su voz al principio del disco explicando las desvanencias que habían surgido durante la grabación.

- KUBRICK -

Stanley Kubrick


UN CREADOR CINEMATOGRAFICO


ARTESANO DE HISTORIAS OPUESTAS



Kubrick nace en Nueva York un 26 de Julio de 1928. Su padre, tuvo una gran influencia en él, era médico Y trabajaba en el Bronx. Su familia tenía un origen centroeuropea ya que su abuela era de ascendencia rumana y su abuelo era austro-húngaro.





A los doce años su padre le transmite su pasión por el ajedrez, del que es un consumado especialista y al que muchos atribuyen su meticulosidad y cerebralidad, y a los trece años le regala una cámara fotográfica iniciando su pasión por la imagen; "Me enamoré de ese artilugio" ha confesado. Como casi todos los grandes genios (y algunos que no lo son y que jamás llegarán a serlo), fue un mal estudiante, destacando tan solo en física.





Se dedicaba a hacer fotos de sus profesores en actitudes extravagantes sobre todo de su profesor de literatura Aaron Traister, el cual le consiguió un contrato con la revista "Life". La prioridad de matrícula de los ex-combatientes y sus malas calificaciones le cierran el paso a los distintos "colleges", pero a los 17 años empieza a trabajar para la revista "Look"; su foto de portada de un vendedor de periódicos entristecido por la muerte del presidente Rooselvet dio la vuelta al mundo.





Hasta los 21 años se dedica a viajar por toda Norteamérica siendo uno de los fotógrafos más prestigiosos y mejor pagados. En 1950, con 21 años, decide hacer su primer cortometraje. Con la ayuda de 3900 dólares que tenía ahorrados de su trabajo como reportero, Kubrick hizo "DAY OF THE FIGHT" con una cámara de 35 milímetros marca Eyemo que aprendió a manejar en una mañana que estuvo en la Camera Equipment Company.





Burt Zucker, un empleado de esa empresa, le enseñó a empalmar, a cortar y a usar el sincronizador que alquiló él mismo. La película fue vendida a la RKO-Pathé por 4000 dólares cumpliéndose el sueño de cualquier realizador primerizo; que su película fuera exhibida públicamente. Ilusionado por el éxito, realizó " THE FLYING PADRE " que, si bien no le reportó ninguna ganancia económica, le decidió a dedicarse por completo al cine. En estos años, Kubrick vivía de préstamos familiares y de torneos de ajedrez.





Poseedor de un miedo increíble a volar a pesar de que consiguió el título de piloto aficionado, no permite que su chofer supere los 60 km por hora, es descuidado en el vestir, odia conducir y se considera un buen "gourmet". Casado a los 18 años con Tobe Metz y más tarde con Ruth Sobotka, bailarina de la compañía Balanchines City Center que realiza una breve aparición en "KILLER'S KISS", conoció a su actual esposa, la pintora Christiane Herlan durante el rodaje de "PATHS OF GLORY". En la década de los 50 realiza dos importantes thrillers: El beso del asesino ("KILLER´S KISS", 1955) y Atraco perfecto (THE KILLING, 1956).





Sus films son ásperos y polémicos , con un tono brusco y despreocupado por la sintaxis tradicional : en el antimilitarista Paths of Glory ; en Lolita , basada en la polémica novela de Nabokov ; en los ambiciosos y espectaculares : Espartaco y 2001: odisea del espacio. Todos ellos poseen un sello propio y unos temas constantes como la muerte y la violencia, el sexo y el humor , junto a un penetrante sentido crítico que no pone límites a ningún pudor , como sucede, por ejemplo, en La naranja mecánica , basado en una obra de Anthony Burgess.





Interesado por la fábula evocadora en la pacifista Dr. Strangelove, con pretensiones intelectuales un tanto elitistas en la cripto-nietzchiana 2001, magistral película que revitalizaría el género de la ciencia-ficción, (algunos hablan de un antes y un después de 2001), el lenguaje fílmico de Kubrick es tan directo como sugerente, y de difícil transcripción como estilo concreto. Acaso su independencia creadora y la variación de géneros le han llevado a una inconcrección y búsqueda constante.





Conciso e imaginativo, inventor de formas e influido por el expresionismo de Fritz Lang y por Samuel Fuller en los primeros tiempos, Kubrick trabaja con guiones muy elaborados y estudia con minuciosidad de ajedrecista los decorados, la luz, el vestuario, a la vez que cuida la banda sonora y recurre al travelling con intencionalidad estético-ideológica. Asimismo, controla el montaje y lanzamiento de sus películas hasta el final, incluido el doblaje a otros idiomas.





Tras El resplandor Kubrick no sabe bien qué hacer y tienen que transcurrir siete años hasta que aparezca su siguiente película, La chaqueta metálica (Full Metal Jacket), en 1987, que trataría nuevamente sobre la guerra, aunque esta vez la Guerra de Vietnam, película cuyo nombre tendría algunos otros títulos más dependiendo de la región, como "Nacido para Matar" o "Cara de Guerra".





Nuevamente Kubrick adivina que el futuro de Hollywood está en películas que analizarán, desde distintas perspectivas, la participación de los EE. UU. en Vietnam, aunque su lentitud en rodar hace que películas como Platoon (1986) le adelanten en su fecha de estreno. Durante el rodaje Kubrick rescribía el guión sobre la marcha. Con La chaqueta metálica recuperaría el prestigio como director que hace ganar dinero a su estudio, pero sobre todo se comenzarían a publicar biografías y estudios sobre su cine, convirtiéndolo en un director de culto.





Tras esta película Kubrick comenzó a barajar un par de proyectos. En primer lugar, Inteligencia Artificial, la historia de un niño robot abandonado por su madre. Kubrick siempre había querido adaptar el relato de Brian Aldiss, pero hasta que no vio Parque Jurásico (1993), de su amigo Steven Spielberg, no supo que la tecnología necesaria para su película estaba por fin a su alcance.





También estaba interesado en The aryan papers, una película sobre dos refugiados judíos durante la persecución nazi. Sin embargo, de nuevo Spielberg se adelantaría con el filme La lista de Schindler (1993), debido fundamentalmente a la dificultad que supuso para Kubrick el encaje cinematográfico del Holocausto judío, según su propio criterio. La semejanza de la película de Spielberg con su propio proyecto y el desgaste emocional al que se vio sometido por su cada vez más obsesivo perfeccionamiento le haría desistir.





Finalmente Kubrick realizó Eyes Wide Shut (1999), basada en la novela Relato soñado, de Arthur Schnitzler, película que disecciona la sociedad actual a partir de la psicología de sus personajes, una pareja de neoyorquinos de clase alta que viven aparentemente una feliz vida en común, pero que en sus sueños y fantasías se muestran como son realmente. El pesimista final de la película (nada tradicional, como han dicho algunos críticos) rubrica el final de una dilatada carrera en el tiempo, aunque escasa en el número de películas.





Días más tarde de acabar de montar la película, Stanley Kubrick moría en su cama de su mansión de Londres de un ataque al corazón. En pocas ocasiones la muerte de un director de cine ha ocupado tantas portadas como lo hizo la de Kubrick.

Lo encuntran muerto en su casa de Harpenden, Reino Unido, 7 de marzo de 1999.

Filmografía por año decendiente

1999 Eyes Wide Shut Eyes Wide Shut Ojos bien cerrados
1987 Full Metal Jacket La chaqueta metálica Cara de guerra
1980 The Shining El resplandor El resplandor
1975 Barry Lyndon Barry Lyndon Barry Lyndon
1971 A Clockwork Orange La naranja mecánica Naranja mecánica
1968 2001: A Space Odyssey 2001: Una odisea del espacio 2001: Odisea del espacio
1964 Dr. Strangelove or: How I Learned To Stop Worrying And Love The Bomb Teléfono rojo. Volamos hacia Moscú Dr. Insólito o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba
1962 Lolita Lolita Lolita
1960 Spartacus Espartaco Espartaco
1957 Paths of Glory Senderos de gloria La patrulla infernal
1956 The Killing Atraco perfecto Casta de malditos
1955 Killer's Kiss El beso del asesino El beso del asesino
1953 Fear and Desire
1953 The Seafarers
1951 Day Of The Fight
1951 Flying Padre