jueves, 30 de diciembre de 2010

- ROFFO -





Ángel Roffo




Ángel Roffo (Buenos Aires, 30 de diciembre de 1882 - Ídem, 23 de julio de 1947) fue un médico argentino que dedicó su vida al estudio y tratamiento del cáncer.

Nacido en Buenos Aires, Roffo cursó sus estudios en la Universidad de Buenos Aires, graduándose en 1909 con la tesis El cáncer, contribución a su estudio, que recibiría el Premio Facultad. Al poco tiempo se convirtió en jefe de trabajos prácticos de la cátedra de Urología, en la misma universidad en donde había estudiado. Entre 1912 y 1915 fue profesor adscripto de la cátedra Anatomía Patológica, y desde 1915 a 1931 ejerció como profesor adjunto en la misma.

En 1912, Daniel Cranwell presentó ante la Academia Nacional de Medicina de la Argentina el trabajo de Roffo titulado Cáncer experimental, en el que se resumían experiencias realizadas en animales de laboratorio. La divulgación de este trabajo influyó para la creación de un instituto experimental para el estudio y tratamiento del cáncer, lo que sucedería en 1922 con la creación del Instituto de Medicina Experimental (hoy Instituto Oncológico Angel H. Roffo), dirigido por Roffo. El científico argentino se había convertido en el mayor especialista en el estudio y tratamiento de enfermedades oncológicas de Latinoamérica.

A partir de 1920 realizó numerosos viajes a Europa, donde se relacionó con algunos de los científicos más importantes. En uno de ellos conoció a Madame Curie, y aprendió sobre la utilización del radio con fines terapéuticos. A lo largo de su carrera fue distinguido con varios premios, como la medalla de oro del Congreso Internacional de Higiene, el Premio Nacional de Ciencias en dos oportunidades (1914 y 1939), el Premio Centenario de la Independencia de la Academia de Medicina en 1916, la medalla de oro de la Exposición Iberoamericana de Sevilla, Premio Centenario de la Independencia del Brasil y el Premio Bauti de la Universidad de Florencia.

Además fue distinguido con la Orden de Caballero de la Legión de Honor francesa (1939), la Cruz de Honor de Alemania, la Gran Cruz del Orden de Cristo de Portugal, como Gran Oficial de la Orden de los Andes de Bolivia, la Orden del Sol de Perú, Comendador de la Orden del Libertador de Venezuela y como Comendador de la Coronora en Italia.

Fue su esposa Helena Larroque de Roffo, dama entrerriana nacida en 1883 e hija de un abogado. Ella estudió medicina pero no llegó a recibirse aunque en la Facultad conoció a quien sería su esposo. Colaboró activamente con él -en la medida de sus posibilidades- en sus estudios e investigaciones. Juntos fundaron el Instituto de Medicina Experimental (hoy Instituto Oncológico) y la Liga Argentina de lucha contra el cáncer.

La Sra. de Roffo fundó también y trabajó además activamente en la Asociación Cultural de Villa del Parque, Devoto y Talar. Hoy el Instituto, la entonces "Escuela de Nurses" y hoy de Enfermería, la Fundación y la Asociación Cultural Social y Biblioteca Popular Helena Larroque de Roffo con sus múltiples actividades forman un complejo que honra la labor tan destacada de este matrimonio.

Por motivos políticos, el Doctor Ángel Roffo fue separado de la dirección del Instituto de Medicina Experimental, y finalmente fallecería el 23 de julio de 1947. Actualmente, el Instituto lleva su nombre.

miércoles, 29 de diciembre de 2010

- BERGMAN -






Ingmar Bergman





Ingmar Bergman (Uppsala, 14 de julio de 1918 - Fårö, (Gotland), 30 de julio de 2007) cineasta, guionista y escritor sueco, tanto de obras de teatro como de cine. Considerado uno de los directores de cine clave de la segunda mitad del siglo XX, para muchos es el director más importante de la cinematografía mundial.

Segundo hijo de un pastor luterano, Erik, y de Karin Åkerblom nació en Uppsala. El mundo metafísico de la religión influyó tanto en su niñez como en su adolescencia, su educación estuvo basada en los conceptos luteranos de "pecado, confesión, castigo, perdón y redención". «Casi toda nuestra educación estuvo basada en conceptos como pecado, confesión, castigo, perdón y misericordia, factores concretos en las relaciones entre padres e hijos, y con Dios», escribe en sus memorias. Muchas de sus obras están inspiradas en esas relaciones. «Los castigos eran algo completamente natural, algo que jamás se cuestionaba. A veces eran rápidos y sencillos como bofetadas y azotes en las nalgas, pero también podían adoptar formas muy sofisticadas, perfeccionadas a lo largo de generaciones».

El ritual del castigo y otras anécdotas de su infancia aparecen escenificadas en una de sus mejores películas, Fanny y Alexander, donde Alexander es un niño de 10 años que tiene muchas cosas en común con el pequeño Bergman.

Progresivamente el joven Bergman buscó la forma de encauzar sus propios sentimientos y creencias independizándose cada vez más de los valores paternos a fin de buscar su propia identidad espiritual, pero, a lo largo de su vida, Bergman siempre mantuvo un canal abierto con su infancia.

A partir de los trece años estudió bachillerato en una escuela privada de Estocolmo, para luego licenciarse en Letras e Historia del Arte en la Universidad. Durante los años de la Segunda Guerra Mundial, ya distanciado de su familia, inició su carrera como ayudante de dirección en el Teatro de la Ópera Real de Estocolmo. Afortunadamente encontró en el teatro, y luego en el cine, los dos medios más apropiados para expresar su complejo mundo interior y su potencial creativo. No obstante, las imágenes y valores de su niñez que lo seguirían por el resto de su vida y la proximidad con el quehacer de su padre, lo habían sumergido en las cuestiones metafísicas: Dios, el Demonio, la muerte, la vida, el dolor y el amor.

El director falleció el 30 de julio de 2007 a los 89 años en la isla de Fårö, a la que se había retirado, el mismo día que falleció el director italiano Michelangelo Antonioni.

martes, 28 de diciembre de 2010

- INOCENTES -







Día de los Santos Inocentes




El origen de esta fiesta se debe a una masacre de los niños perpetrada por el rey Herodes I el Grande.
Día de celebración 28 de diciembre
Lugar de celebración Día Internacional

El Día de los Santos Inocentes es la conmemoración de un episodio hagiográfico del cristianismo: la matanza de todos los niños menores de dos años nacidos en Belén (Judea), ordenada por el rey Herodes con el fin de deshacerse del recién nacido Jesús de Nazaret.

La iglesia católica recuerda este acontecimiento el 28 de diciembre, aunque de acuerdo con los Evangelios, la matanza debió haber sucedido después de la visita de los Reyes Magos al rey Herodes (uno o dos días después del 6 de enero), aunque también la fecha de la adoración de los Reyes Magos a Jesús no tiene una fecha dada exactamente en las escrituras.

Es muy corriente la explicación de la Navidad y demás fechas alrededor de ella como fechas arbitrarias, pues estas no figuran en los evangelios. Según el evangelio (Lucas 1.13-60); Zacarias supo que Santa Isabel estaba encinta de Juan el Bautista mientras cumplía con la obligación de quemar incienso en el Templo, que debía hacer cada grupo sacerdotal dos veces por año (1 Crónicas 24). Zacarías pertenecía al octavo grupo, el de Abías, lo cual nos da dos posibles fechas para la concepción de Juan el Bautista, una a mediados de mayo y otra a mediados de noviembre, ninguna de las cuales coincide con la tradición.

El evangelista Lucas nos cuenta que había pastores que estaban pasando aquella importante noche a cielo raso, con sus rebaños. Esto nos lleva a la conclusión de que Jesús no pudo haber nacido en diciembre ya que es improbable que los pastores estuvieran acampando a cielo abierto en una época del año donde las temperaturas pueden llegar a bajo cero en la región de Belén. (Lucas 2.8-14).

lunes, 27 de diciembre de 2010

- GANDHI -





Mahatma Gandhi


1869-1948. Político y pensador indio.


FRASES CELEBRES





Nuestra recompensa se encuentra en el esfuerzo y no en el resultado. Un esfuerzo total es una victoria completa.

Puesto que yo soy imperfecto y necesito la tolerancia y la bondad de los demás, también he de tolerar los defectos del mundo hasta que pueda encontrar el secreto que me permita ponerles remedio.

La violencia es el miedo a los ideales de los demás.

La voz interior me dice que siga combatiendo contra el mundo entero, aunque me encuentre solo. Me dice que no tema a este mundo sino que avance llevando en mí nada más que el temor a Dios.

Nadie puede hacer el bien en un espacio de su vida, mientras hace daño en otro. La vida es un todo indivisible.

Casi todo lo que realice será insignificante, pero es muy importante que lo haga.

No hay camino para la paz, la paz es el camino.

Ojo por ojo y todo el mundo acabará ciego.

En cuanto alguien comprende que obedecer leyes injustas es contrario a su dignidad de hombre, ninguna tiranía puede dominarle.

No dejes que se muera el sol sin que hayan muerto tus rencores.-

sábado, 25 de diciembre de 2010

- NAVIDAD -






Navidad







La Navidad (latín: nativitas, «nacimiento» )? es una de las fiestas más importantes del Cristianismo –junto con la Pascua y Pentecostés–, que celebra el nacimiento de Jesucristo en Belén. Esta fiesta se celebra el 25 de diciembre por la Iglesia Católica, la Iglesia Anglicana, algunas otras Iglesias protestantes y la Iglesia Ortodoxa Rumana; y el 7 de enero en otras Iglesias Ortodoxas, ya que no aceptaron la reforma hecha al calendario juliano, para pasar a nuestro calendario actual, llamado gregoriano, del nombre de su reformador, el Sumo Pontífice Gregorio XIII.

Los angloparlantes utilizan el término Christmas, cuyo significado es ‘misa (mass) de Cristo’. En algunas lenguas germánicas, como el alemán, la fiesta se denomina Weihnachten, que significa ‘noche de bendición’. Las fiestas de la Navidad se proponen, como su nombre indica, celebrar la natividad (es decir, el nacimiento) de Jesús de Nazaret.

Aunque para algunos historiadores la celebración de la Navidad histórica debería situarse en primavera (entre abril y mayo), y para otros, siguiendo el relato de Lucas 2:8, que indica que la noche del nacimiento de Jesús, los pastores cuidaban los rebaños al aire libre y que el cielo estaba lleno de estrellas, es poco probable que este acontecimiento hubiera ocurrido en el invierno (hemisferio norte). La Iglesia cristiana mantiene el 25 de diciembre como fecha convencional, puesto que en la primavera u otoño la Iglesia celebra la Pascua.

viernes, 24 de diciembre de 2010

- MERELLO -






TITA MERELLO




Laura Ana Merello, nació en San Telmo el 11 de Octubre de 1904; a los diez años ya trabajaba como boyero en una estancia de la provincia de Buenos Aires.

En 1920, da los primeros pasos de su carrera, cuando pasa por la puerta del Teatro Avenida y ve un cartel que pide chicas, que se menearan frente al público, entra y es aceptada en la obra ¨Las Vírgenes de Teres¨ no le fue muy bien.
Pero su éxito comienza cuando interpreta el Tango¨ ¨Trago amargo¨.
Trabaja también en teatro y obras musicales.
Debutó como actriz remplazando a Olinda Bozán en el papel protagónico de ¨El rancho del hermano¨.

Se hace muy popular con el éxito del ¨Conventillo de la paloma¨.
En los años ´30 popularizó dos rancheras: ¨Los amores en la crisis¨ y ¨Donde hay un mango¨, ambas comentaban la situación económica. Filmo varias películas como, ¨Morir en su ley¨ (1947), ¨Arrabalera¨ (1950), ¨Pasó en mi barrio¨1951, ¨Gaucho¨ 1953, y ¨Para vestir santos¨ (1955), pero su gran éxito fue ¨Los isleros¨.

Cae el gobierno del General Perón, Tita ya no tiene el mismo trabajo, le son negadas muchas posibilidades, para poder mantenerse trabaja en parques de diversiones, circos, entonces decide Viajar a México, donde actúa en una obra de Eugene O´ Neill. En 1957, ¨La reina del tango¨, (como en 1931, la catalogará el diario ¨El Mundo¨), vuelve al país y al trabajo también sorprendiendo con su participación en la televisión.

En televisión hizo “Tangos en mi recuerdo”, alguna serie dramática y versiones teatrales. Como cancionista se presentó durante cinco años seguidos en “Sábados circulares” con el querido “Pipo” Mancera en el canal 13.
“De ella puede decirse que, aún desmedida (por lo caudalosa) es de una enorme eficacia. Pertenece a la familia de las actrices que además de tener algo que decir, siempre tiene algo que insinuar.

Es violenta en la nota dramática, que sabe quebrar con profunda naturalidad. Viaja por las transiciones con toda comodidad. Dícese que es culta. Por lo menos, inteligente lo es. Su cultura no la conocemos. Tita es un mujer siempre distante. Un tanto desgarbada. Curiosa. De ocurrencias. Cultiva la risa. Es siempre sincera. A ella, además , le encanta mostrar el San Telmo que fue su cuna”.

Según se publicó en alguna revista de hace años y describió en pocas líneas lo que nuestra “Reina del Tango” es para todos los amantes de este arte, “Tita es Pueblo, es ímpetu, es el estilo de mujer que las féminas admiran y los hombres temen: inteligente, sagaz, avasallante y sencilla.”

"Es la desmitificadora de mitos que se convirtió en un mito"
Falleció un 24 de Diciembre del 2002.

jueves, 23 de diciembre de 2010

- NOCHEBUENA -






FELIZ NOCHEBUENA

- DISCEPOLIN -






Enrique Santos Discépolo




Nació en el Barrio porteño de Balvanera el 27 de marzo de 1901 y falleció el 23 de diciembre de 1951 de un síncope al corazón.

Tras fallecer sus padres, su hermano Armando, varios años mayor, se convirtió en su maestro, lo guió por el camino de la cultura y le descubrió la vocación por el teatro. Con él dio sus primeros pasos como actor en 1917. En 1918 escribió sus primeras obras de teatro: El señor cura, El hombre solo y Día feriado. En 1920 actuó en la obra Mateo, escrita por su hermano. Prosiguió escribiendo para el género teatral y al mismo tiempo, en 1925, compuso la música del tango “Bizcochito” y la letra y la música de “Que vachaché”.

En 1927 compuso el tango “Esta noche me emborracho”, popularizado por Azucena Maizani. Más tarde, entre 1928 y 1929, escribió “Chorra”, “Malevaje”, “Soy un arlequín” y “Yira-yira”, entre otros. Mientras tanto, continuaba actuando con éxito en los teatros de Montevideo y Buenos Aires.

Entre 1931 y 1934 escribió varias obras musicales, entre ellas, Wunderbar y Tres esperanzas. En 1935 viajó a Europa y a su regreso se vinculó al mundo del cine como actor, guionista y director. Simultáneamente escribió y compuso sus tangos más notables “Cambalache” (1935), “Desencanto” (1937), “Alma de bandoneón” (1935), “Uno” (con música de Mariano Mores, 1943) y “Canción desesperada” (1944).

En 1947, después de una gira por México y Cuba, compuso “Cafetín de Buenos Aires” (1948). Durante los siguientes años continuó produciendo películas, obras teatrales y tangos, algunos de los cuales fueron estrenados después de su muerte.
Finalmente, el 13 de abril 1951, estrena y protagoniza su última película como actor, dirigida por Manuel Romero, llamada “El hincha”. En la queda inmortalizada su frase célebre en la que describe lo que es un hincha de fútbol.

En 1917, debuta como actor, al lado de Roberto Casaux, un capo cómico de la época, y un año más tarde firmó junto a un amigo la pieza Los duendes, maltratada por la crítica. Luego levantó la puntería con El señor cura (adaptación de un cuento de Guy de Maupassant), Día Feriado, El hombre solo, Páselo cabo y, sobre todo, El organito, feroz pintura social bosquejada junto a su hermano, al promediar los años de 1920. Como actor, Discépolo evolucionó de comparsa a nombre de reparto, y se recordaría con entusiasmo su trabajo en Mustafá, entre muchos otros estrenos.

• "Malevaje"
• "Que vachaché" ("Qué vas a hacer")
• "Yira... yira..." ("gira gira...")
• "Que sapa señor" ("qué pasa, señor?")
• "Cambalache"
• "Sueño de juventud"
• "Justo el 31"
• "Chorra" ("ladrona")
• "Soy un arlequín"
• "Quién más, quién menos"
• "Confesión"
• "Canción desesperada"
• "Uno"
• "Cafetín de Buenos Aires" ("café de Buenos Aires")
• "Esta noche me emborracho"
• "Sin Palabras"
• "Tormenta"

miércoles, 22 de diciembre de 2010

- LO RAFAEL -






Rafael Jijena Sánchez





Nació el 21 de septiembre de 1904 en San Miguel de Tucumán, de niño se trasladó con su familia a San Fernando del Valle de Catamarca, al cabo de un tiempo viaja con su madre Virginia, por un año, a Nelson, un pueblito de Santa Fe, donde ella ejerce la docencia rural. Más adelante un nuevo destierro y se instalan en Villa Turdera, a pocos kilómetros de Buenos Aires. Ni esta distancia logra separarlo de su amor por la provincia, así dice en su Vidala (1936)

Sigue sus estudios secundarios y más tarde universitarios en la Facultad de Filosofía y Letras, los Cursos de Cultura Católica. Así en 1925 nace su primer libro: La locura de mis ojos, de gran sencillez.

Serán las veladas de La Peña de la Cosechera, en Avda. de Mayo y Perú, y las del Tortoni, que tenían al frente a Quinquela Martín, que lo llevarán por la verdadera expresión literaria. En 1928 aparece Achalay, su obra preferida y con la que ganó, en 1929 el Primer Premio Municipal de la Ciudad de Buenos Aires... con este trabajo, don Rafael Jijena recibe elogios de personas como: Juana Ibarbourou, Baldomero Fernández Moreno, Juan Zorrilla de San Martín, Fernán Silva Valdés, Juan B. Terán, Ricardo Rojas y varios más.

Siguiendo con la investigación folklórica y la poesía, Jijena Sánchez, luego de Achalay, escribió: OBRAS POÉTICAS: "Verso simple" (1931), Vidala (1936), Ramo Verde (1946), El árbol de fuego (1954), Del canto, la flor (1966); ENSAYOS: Las supersticiones, en colaboración con Bruno Jacovella (1939), De nuestra poesía tradicional (1940), El perro negro en el folklore (1953), El chifle y el chambao (1955) y Cancionero de Coplas, en colaboración con Arturo López Peña (1959); SELECCIONES FOLKLORICAS: Hilo de oro, hilo de plata (1939), La luna y el sol (1939), Adivina, adivinador (1943), Los cuentos de Mama Vieja (1946), Retablo popular (1952), De oír y contar (1960), El curioso entretenido (1961), Don Meñique (1960). Además de colaborar con un sinfín de publicaciones: La Nación, La Prensa, Clarín, Caras y Caretas, Readers Digest, etc.

Entre otros quehaceres: fundó y tuvo a su cargo la primera cátedra de Folklore en la Argentina, en el Conservatorio Nacional "Carlos López Buchardo" (1939), fundó y fue el primer Director del Museo Folklórico de Tucumán (1943), fue jefe de la sección Folklore en la Universidad Nacional de Tucumán, fundó y dirigió con Juan Alfonso Carrizo el Departamento de Folklore de los Cursos de Cultura Católica, dirigiendo al mismo tiempo su Boletín "Folklore", organizó y dirigió el Museo "José Hernández" de la Municipalidad de Capital Federal, fue catedrático en el Conservatorio Municipal "Manuel de Falla", Liceo Militar, Museo Social Argentino, Escuela Nacional de Danzas, Instituto de Perfeccionamiento Docente del Ministerio de Educación de la Provincia de Buenos Aires, Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, ex-profesor de la Universidad del Salvador y del Instituto del Profesorado Superior (CONSUDEC), fue nombrado adscripto honorario del Instituto Nacional de Antropología.

Entre los premios recibidos, podemos nombrar: premio de la Comisión Nacional de Cultura-Folklore en 1939, el premio a la Canción escolar, otorgado por el Ministerio de Justicia e Inst. Pública en 1940 el 6to Congreso Pesebrista Internacional de Madrid le concedió, en 1967, su máxima distinción: la plaqueta al mérito pesebrista.

Fue llamado justamente el "Teólogo telúrico". Murió el 22 de diciembre del año 1979.

- LUNFARDO -






ACADEMIA PORTEÑA DEL LUNFARDO



La Academia Porteña del Lunfardo es una institución privada, sin fines de lucro (ONG), cuyo objeto consiste en la investigación lingüística y, en particular, el estudio de la evolución del habla coloquial de Buenos Aires.

Fue fundada el 21 de diciembre de 1962, tiene personería jurídica y está exenta del impuesto a las ganancias. La iniciativa fue fruto de las ideas de José Gobello, Nicolás Olivari y Amaro Villanueva. El mismo Gobello, acompañado por Luis Soler Cañas y León Benarós, convirtió esos propósitos en realidad al convocar a un grupo de escritores y periodistas para considerar la creación de un instituto destinado al estudio del habla popular.

Durante sus primeros años, la Academia trabajó en un pequeño departamento de la calle Lavalle. Allí comenzó a organizarse la biblioteca, bajo la dirección de Don Enrique R. Del Valle, quien no tardó en ocupar un sillón académico.

Al cumplir sus bodas de plata, en 1987, la institución pudo inaugurar una sede más amplia en la calle Estados Unidos nº 1379, gracias a la generosidad de amigos y benefactores. Allí funcionan actualmente la secretaría, el salón de actos y la biblioteca especializada en temas referidos a Buenos Aires.

domingo, 19 de diciembre de 2010

- ESTUPIDEZ -






Citas y frases célebres sobre
La Estupidez








Hay dos cosas infinitas: el Universo y la estupidez humana. Y del Universo no estoy seguro.
Albert Einstein (1879-1955) Científico alemán nacionalizado estadounidense.

Nadie está libre de decir estupideces, lo malo es decirlas con énfasis.
Michel Eyquem de Montaigne (1533-1592) Escritor y filósofo francés.

Nada en el mundo es más peligroso que la ignorancia sincera y la estupidez concienzuda.
Martin Luther King (1929-1968) Religioso estadounidense.

Todos los cerebros del mundo son impotentes contra cualquier estupidez que esté de moda.
Jean de la Fontaine (1621-1695) Escritor y poeta francés.

Una mujer amablemente estúpida es una bendición del cielo.
Voltaire (1694-1778) Filósofo y escritor francés.

Todos los que parecen estúpidos, lo son y, además también lo son la mitad de los que no lo parecen.
Francisco de Quevedo (1580-1645) Escritor español.

Estupidez humana. Humana sobra, realmente los únicos estúpidos son los hombres.
Jules Renard (1864-1910) Escritor y dramaturgo francés.

Contra la estupidez, hasta los dioses luchan en vano.
Johann Wolfgang Goethe (1749-1832) Poeta y dramaturgo alemán.

La estupidez insiste siempre.
Albert Camus (1913-1960) Escritor francés.

sábado, 18 de diciembre de 2010

- STRADIVARIUS -





Antonio Stradivari




Antonio Stradivari examinando un instrumento, en una impresión romántica del Siglo XIX.Antonio Stradivari (Aonius Stradivarius, también conocido como Antoni Strad de Cremona) (Cremona, Italia, 1644 - Cremona, 18 de diciembre de 1737) fue el más prominente luthier italiano. La forma latina de suapellido, "Stradivarius", algunas veces truncada como "Strad", se utiliza para referirse a sus instrumentos .

En 1680 instaló por su cuenta en la Piazza San Domenico de Cremona, en el mismo edificio que su maestro, y pronto adquirió fama como hacedor de instrumentos musicales. Comenzó a mostrar originalidad, y a hacer alteraciones a los modelos de violín de Amati. El arco fue mejorado, los espesores de la madera calculados más exactamente, el barniz más coloreado, y la construcción del mástil mejorada.

Sus instrumentos se reconocen por la inscripción en latín: Antonius Stradivarius («Antonius Stradivarius, Cremona, hecho en el año...»). Se considera en general que sus mejores violines fueron construidos entre 1683 y 1715, superando en calidad a los construidos entre 1725 y 1730. Después de 1730, muchos violines fueron firmados Sotto la Desciplina d'Antonio Stradivari F. in Cremona [año], y fueron probablemente hechos por sus hijos, Omobono y Francesco.

Además de violines, Stradivarius construyó arpas, guitarras, violas y violoncellos, más de 1.100 instrumentos en total, según estimaciones recientes. Cerca de 650 de ellos se conservan actualmente.

Antonius Stradivarius murió en Cremona el 18 de diciembre de 1737, y fue sepultado en esa ciudad.

"Español II" Stradivarius Palacio Real, Madrid.Sus instrumentos son reconocidos entre los más bellos creados, son de alto precio, y todavía son utilizados por intérpretes profesionales. Únicamente otro luthier, Giuseppe Guarneri, inspira el mismo respeto entre los violinistas.

El 6 de mayo de 2006 Christie's subastó un violín Stradivarius llamado "Hammer" en la suma récord de 3.544.000 dólares, la mayor suma pagada por un instrumento musical. Fue adquirido telefónicamente por un comprador anónimo. El récord previo en una subasta por un Stradivarius fue 2.032.000 dólares, por el "Lady Tennant", en Christie's, Nueva York, en abril de 2005 [1].

Otro famoso Stradivarius es el "Davidoff", un violoncello, actualmente propiedad de Yo-Yo Ma, y el "Duport", violoncello propiedad de Mstislav Rostropóvich. El violín "Soil", de 1714, propiedad del virtuoso Itzhak Perlman, está considerado entre los mejores de los Stradivarius. El "Condesa Poulignac" es utilizado por Gil Shaham.

Existen multitud de copias de los instrumentos Stradivarius. Las realizadas después de 1891 llevan por lo general la inscripción del país de origen. Muchos eventuales compradores sin los conocimientos suficientes pueden ser tentados a adquirir falsos Stradivarius, motivo por el cual es esencial contar con una autentificación reconocida.

- ARGENTORES -




ARGENTORES




La Sociedad General de Autores de la Argentina -Argentores- es una Asociación Civil de carácter profesional y mutual.

Fue fundada el 11 de setiembre de 1910 inicialmente con el nombre de Sociedad Argentina de Autores Dramáticos, y posteriormente instituida, a fines de 1934, con la designación actual.
Tiene su domicilio legal en la ciudad de Buenos Aires.

La protección legal, tutela jurídica y administración de los derechos de autor y, a través de estas acciones, el enaltecimiento de la producción del autor destinada al teatro, cine, radio y televisión.

Argentores es la única entidad del país facultada por Ley- 20.115/ 73 del 23 de enero de 1973- para percibir el derecho emergente de las obras utilizadas en todos los teatros, salas cinematográficas, emisoras radiales y canales de T.V (abierta y por cable) de Argentina; de las letras (novelas, episodios, argumentos, sketchs, radioteatros. etc) emitidos por los mismos medios de difusión; de la música orgánica de las óperas u operetas llevadas a escena o transmitidas en cines, emisoras y televisoras.

Argentores desempeña su actividad en teatros, salas de cine, canales de T.V y radios de todo el país y representa, por convenios recíprocos con entidades similares y por contratos con agentes, representantes y apoderados, a la totalidad de los autores del mundo.

Actualmente Argentores administra los derechos de dramaturgos, guionistas de radio, cine y televisión, coreógrafos y compositores de música para obras teatrales

Argentores está facultada para conceder o negar el uso de las obras de sus socios en teatro, cine, radio y televisión, en el país y en el exterior; establecer las condiciones de esa utilización, fijar los aranceles correspondientes al derecho de autor y recaudar las sumas que devenguen las obras utilizadas.

Asimismo Argentores tiene la representatividad para la defensa en juicio o ante quien corresponda, de los derechos del socio como autor, derechohabiente o simplemente representado, y para ejecutar todas las acciones derivadas de la aplicación de la Ley 11.723 sobre la propiedad intelectual y de las que se dicten en consecuencia.

jueves, 16 de diciembre de 2010

- PROFESORADO -






Instituto Nacional del Profesorado Secundario





Con el objeto de terminar con un origen tan heterogéneo en la formación del profesorado para la enseñanza secundaria el Ministro de Justicia e Instrucción Pública Ramón R. Fernández estableció a comienzos de 1903 los requisitos para obtener el título de profesor, requisitos que culminaban c ...on la aprobación de un curso de pedagogía especial que sería dictado en un Seminario Pedagógico a fundarse en Buenos Aires.

El 16 de diciembre de 1904 por decreto dictado por el entonces Ministro de Justicia e Instrucción Pública, Dr. Joaquín V. Gonzalez, quedó fundado el entonces Seminario Pedagógico a que se referían los decretos del Ministro Dr. Juan F. Fernández con el nombre de Instituto Nacional del Profesorado Secundario al que quedó anexado el Colegio Nacional Bartolomé Mitre, que había sido creado poco antes.

"Que para obtener un buen profesor de enseñanza secundaria no basta que éste sepa todo lo que debe enseñar, ni más de lo que debe enseñar, sino es necesario que sepa como lo ha de enseñar". "Que una de las principales preocupaciones de todo el país, que procure un progreso de la educación pública, debe ser la formación del profesorado capaz de llevar a efecto las varias enseñanzas que la cultura exige..." "Que esta obra de la formación del profesorado de la enseñanza secundaria, no es de un día, sino gradual y progresiva".

Con estas aspiraciones nació el Instituto Nacional del profesorado, llamado hoy Instituto Superior del Profesorado J. V. Gonzalez en honor de su fundador.

Para comprender la importancia rectora que, desde el primer momento, quiso atribuirse al Instituto Nacional del Profesorado mencionaremos que el Rector del Instituto formaba parte del Cuerpo de Inspectores de Enseñanza Secundaria y del Consejo Consultivo de la Inspección General, como asesor Técnico y estaba obligado a elevar todos los informes que se le solicitaran sobre la enseñanza secundaria del país.

En primera instancia solo ingresaban profesionales universitarios para obtener el título de profesor, luego por decreto del 23 de noviembre de 1905 y a propuesta de sus profesores fundadores se amplió su organización inicial, agregándose a la enseñanza de la metodología y práctica de la enseñanza los cursos científicos destinados a facilitar a los estudiantes la preparación teórica de aquellas asignaturas que habrían de construir su especialidad. Al extenderse a cuatro años la formación, se permitió el ingreso de egresados de nivel medio. Ya a mediados de la década del veinte, el instituto ofrecía la mayor parte de las disciplinas que atañen a la formación en la enseñanza media.

A través de casi sus cien años de vida el Instituto Superior del Profesorado J. V. Gonzalez ha venido desarrollando su acción en el campo de la educación secundaria y superior, cumpliendo siempre su objetivo de dar al país docentes de excelente preparación que han puesto en el ejercicio de su profesión todo su esfuerzo y dedicación.

En la actualidad el Instituto cuenta con quince carreras de grado, cinco carreras de especialización y actividades extracurriculares permanentes. También está funcionando una Unidad Interdepartamental de Investigación que promueve la investigación pedagógica y sus aplicaciones didácticas.

- MÚSICA -






MÚSICA


La música académica occidental ha desarrollado un método de escritura basado en dos ejes: el horizontal representa el transcurso del tiempo, y el vertical la altura del sonido; la duración de cada sonido está dada por la forma de las figuras musicales.

Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.

Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada (según una formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición parte de que —en aquello a lo que consensualmente se puede denominar "música"— se pueden percibir ciertos patrones del "flujo sonoro" en función de cómo las propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso quienes consideran que también por los animales).

Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y que predomina la función estética. Si tomáramos en cuenta solo los dos primeros elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del lenguaje. En cuanto a la función "estética", se trata de un punto bastante discutible; así, por ejemplo, un "jingle" publicitario no deja de ser música por cumplir una función no estética (tratar de vender una mercancía). Por otra parte, hablar de una función "estética" presupone una idea de la música (y del arte en general) que funciona en forma autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad, tal como la vemos en la teoría del arte del filósofo Immanuel Kant.

Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales en L'Encyclopédie de Diderot, después recogidas en su Dictionnaire de la Musique, la definió como "Arte de combinar los sonidos de una manera agradable al oído".

Según el compositor Claude Debussy, la música es "un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor".

La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: "la música es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo". Esta definición no se detiene a explicar lo que es el arte, y presupone que hay combinaciones "bien hechas" y otras que no lo son, lo que es por lo menos discutible.

Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos ordenados de manera horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o estructura que debe tener un grupo de sonidos para ser llamados música está, por ejemplo, presente en las aseveraciones del filósofo Alemán Goethe cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo metafóricamente a la arquitectura como "música congelada". La mayoría de los estudiosos coincide en el aspecto de la estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una organización; pero algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o agradable.

- OCAMPO -






SILVINA OCAMPO



Aniversario de su fallecimiento





Poeta argentina nacida en Buenos Aires en 1903.

Desde pequeña estudió pintura y mostró inclinación por la poesía, gracias a la marcada tradición cultural de su familia y a la trayectoria de su hermana Victoria Ocampo quien la vinculó al mundo literario.

Por conducto de Jorge Luis Borges con quien la unió una gran amistad, conoció a su marido, el escritor Adolfo Bioy Casares.

A su primera publicación poética, «Enumeración de la patria» en 1942, le siguieron «Espacios métricos» en 1945, «Poemas de amor desesperado» en 1949 y «Los nombres» en1953. Incursionó con mucho éxito en el cuento, la novela y la literatura fantástica, regresando a la poesía en 1962 con «Lo amargo por dulce» y en 1972 con «Amarillo celeste».

Luego publicó «Árboles de Buenos Aires» en 1979 y su antología, «Las reglas del secreto» en 1991.
Obtuvo numerosos premios nacionales entre los que se destacan el Gran Premio Nacional de Literatura en dos ocasiones, el Premio Nacional de Poesía, la Faja de Honor de la Sociedad Argentina de Escritores y varios galardones municipales.

Murió en Buenos Aires un 14 de diciembre de 1994.

lunes, 13 de diciembre de 2010

- PETROLEO -





El petróleo en Comodoro Rivadavia


La búsqueda de agua y el descubrimiento del petróleo





Ya para cuando se fundó Comodoro en 1901, los pobladores que se encontraban en el lugar desde algunos meses antes, encontraron serios problemas con la provisión de agua potable, ya que ésta debía ser transportado en carros desde Manantiales Behr, varios kilómetros al norte.

Como consecuencia de las gestiones de los pobladores, el 3 de Octubre de 1903 desembarcó en la Playa de Comodoro Rivadavia una máquina perforadora enviada por la Dirección de Minas, Geología e Hidrología de la Nación.

Una semana más tarde se ubicó la maquina en la actual zona céntrica de la ciudad, estando los trabajos a cargo de un equipo dirigido por el ingeniero Casullo, a quién secundaba como jefe de sondeo el señor Klarck.

Esta máquina alcanzó los 172 metros de profundidad sin encontrar agua, ante la desilusión de los vecinos. Los trabajos fueron abandonados ante la imposibilidad de que el equipo pudiera alcanzar una mayor profundidad.

Tres años después, en diciembre de 1906, desembarcaba una nueva máquina perforadora para continuar con los trabajos destinados a encontrar agua. Se trataba de un equipo de Fauck adquirido en Alemania por iniciativa del ingeniero Julio Krause, jefe de la sección Geología e Hidrología de la Dirección de Minas, en ese entonces a cargo del ingeniero Enrique Hermitte.

Luego de un estudio previo se decidió emplazar la máquina al norte del cerro Chenque a unos tres kilómetros de la población, ya que de acuerdo a las conclusiones de los técnicos era el lugar más adecuado. Por lo tanto el 24 de marzo de 1907 la nueva máquina perforadora comenzó con las tareas.

El equipo a cargo, dependiente de la selección Geología e Hidrología, estaba integrado por: José Fuchs (jefe de sondeo), Humberto Beghin (ayudante), Gustavo Kunzel y Juan Martínez (foguistas), Florentino Sot, Antonio Viegas, Joaquín Domínguez, José Barrabosa y Pedro Gelhorn (peones), Pedro Peresa y Francisco Ferrara (cocineros).

El grupo trabajó durante varios meses, con los ojos de todo el pueblo puestos sobre el resultado de tanto esfuerzo. Se habían ya sobrepasado los 500 metros de profundidad, sin encontrarse rastros de agua cuando la población fue sorprendida, el 12 de diciembre de 1907, al aparecer en la excavación burbujas aceitosas con olor a "kerosene".

En las primeras horas del 13 de diciembre el equipo continuaba trabajando afanosamente. Al alcanzar los 540 metros de profundidad comenzó a surgir conjuntamente con el agua de inyección una materia viscosa. Acababa de descubrirse la existencia de un yacimiento petrolífero en Comodoro.

- WAGNER -






Richard Wagner





(Leipzig, actual Alemania, 1813-Venecia, Italia, 1883) Compositor, director de orquesta, poeta y teórico musical alemán. Aunque Wagner prácticamente sólo compuso para la escena, su influencia en la música es un hecho incuestionable. Las grandes corrientes musicales surgidas con posterioridad, desde el expresionismo hasta ... el impresionismo, por continuación o por reacción, encuentran en él su verdadero origen, hasta el punto de que algunos críticos sostienen que toda la música contemporánea nace de la armonía, rica en cromatismos, en disonancias no resueltas, de Tristán e Isolda.

La infancia de Wagner se vio influida por su padrastro Ludwig Geyer, actor, pintor y poeta, que suscitó en el niño su temprano entusiasmo por toda manifestación artística. La literatura, además de la música, fue desde el principio su gran pasión, pero el conocimiento de Weber y, sobre todo, el descubrimiento de la Sinfonía núm. 9 de Beethoven lo orientaron definitivamente hacia el cultivo del arte de los sonidos, aunque sin abandonar por ello su vocación literaria, que le permitiría escribir sus propios libretos operísticos.

De formación autodidacta, sus progresos en la composición fueron lentos y difíciles, agravados por una inestable situación financiera, la necesidad de dedicarse a tareas ingratas (transcripciones de partituras, dirección de teatros provincianos) y las dificultades para dar a conocer sus composiciones. Sus primeras óperas –Las hadas, La prohibición de amar, Rienzi– mostraban su supeditación a unos modelos en exceso evidentes (Weber, Marschner, Bellini, Meyerbeer), sin revelar nada del futuro arte del compositor.

Hasta el estreno, en 1843, de El holandés errante, no encontró el compositor su voz personal y propia, aún deudora de algunas convenciones formales que en posteriores trabajos fueron desapareciendo. Tannhäuser y Lohengrin señalaron el camino hacia el drama musical, la renovación de la música escénica que llevó a cabo Wagner, tanto a nivel teórico como práctico, en sus siguientes partituras: El oro del Rin (primera parte de la tetralogía El anillo de los nibelungos) y Tristán e Isolda.

En estas obras se elimina la separación entre números, entre recitativos y partes cantadas, de modo que todo el drama queda configurado como un fluido musical continuo, de carácter sinfónico, en el que la unidad viene dada por el empleo de unos breves temas musicales, los leitmotiv, cuya función, además de estructural, es simbólica: cada uno de ellos viene a ser la representación de un elemento, una situación o un personaje que aparece en el drama.

No sólo en el aspecto formal fue revolucionaria la aportación wagneriana: en los campos de la melodía, la armonía y la orquestación –con el uso de una orquesta sinfónica de proporciones muy superiores a las que tenían las habituales orquestas de ópera–, sino que también dejó una impronta duradera. Su gran aspiración no era otra que la de lograr la Gesamtkunstwerk, la «obra de arte total» en la que se sintetizaran todos los lenguajes artísticos.

Sus ideas tuvieron tantos partidarios como detractores. Uno de sus más entusiastas seguidores fue el rey Luis II de Baviera, gracias a cuya ayuda económica el músico pudo construir el Festspielhaus de Bayreuth, un teatro destinado exclusivamente a la representación de sus dramas musicales, cuya complejidad superaba con mucho la capacidad técnica de las salas de ópera convencionales.

En 1876 se procedió a su solemne inauguración, con el estreno del ciclo completo de El anillo de los nibelungos. Años antes, en 1870, el compositor había contraído matrimonio con la hija de Franz Liszt, Cosima, con quien había mantenido una tormentosa relación cuando aún estaba casada con el director de orquesta Hans von Bülow. Wagner dedicó los últimos años de su vida a concluir la composición de Parsifal.

sábado, 11 de diciembre de 2010

- TANGO -






DIA NACIONAL DEL TANGO



Sábado 11 de Diciembre de 2010





Ben Molar impulsó la instauración del 'Día Nacional del Tango', que se festeja en todo el mundo cada 11 de diciembre, en conmemoración a las fechas de nacimiento de los creadores de dos vertientes del tango: "La Voz" (Carlos Gardel, el zorzal criollo, ídolo y figura representativa del tango, nacido el 11 de diciembre de 1890) y "La Música" (Julio De Caro, gran director de orquesta y renovador del género, nacido el 11 de diciembre de 1899).

Esta fecha nació de un modo más que especial. Era una noche de 1965. Ben Molar estaba parado en la esquina del tango, esquina que, según sus palabras, "es la que mis amigos Francisco Pacránico y Celedonio Flores hicieron que se llamara Corrientes y Esmeralda...". Iba camino de la casa de Julio De Caro para festejar su cumpleaños cuando le surgió la gran idea: asoció la fecha de nacimiento de De Caro con la de Carlos Gardel. Cayó en la cuenta de que, además de ser las dos grandes vertientes, eran los dos grandes creadores nacionales.

Presentó entonces la propuesta al Secretario de Cultura de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires, Ricardo T. Freixá, quien le pidió la conformidad de las entidades artísticas. Ben Molar consiguió así la conformidad de Sadaic, Argentores, Sade, Casa del Teatro, Sindicato Argentino de Músicos, Unión Argentina de Artistas de Variedades, Academia Porteña del Lunfardo, Radio Rivadavia, Fundación Banco Mercantil, La Gardeliana, Asociación Argentina de Actores y Asociación Amigos de la Calle Corrientes.

Once años más tarde, después de mucho recorrer y de observar cómo sus pedidos quedaban en cajones oficiales, amenazó cordialmente al Secretario de Cultura de la Municipalidad de Buenos Aires, Ricardo Freixa, con hacer una gran movilización radial, televisiva y gráfica anunciando la organización de un festival monstruo en el Luna Park en apoyo del 'Día del Tango'. Así, junto con una delegación de la Asociación Amigos de la Calle Corrientes, le pidió a Tito Lectoure el Luna Park para el 11 de diciembre.

A las dos horas del ultimátum se produjo el milagro: la promulgación del decreto anhelado durante tantos años. Así, el 29 de noviembre de 1977 Ben Molar recibió la noticia de que había sido firmado el Decreto Nº 5830/77 de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires.

El 11 de diciembre el festival se realizó con la presencia enfervorizada de espectadores que celebraron el anuncio de ese merecido Día del Tango y vivaron de pie a sus máximos ídolos. Estuvieron presentes los más grandes músicos, orquestas, cantantes, animadores, locutores, periodistas y personalidades vinculadas con el tango. Esa noche, Julio De Caro recibió muy emocionado en el escenario el aplauso de unas 15 mil personas que cantaron su cumpleaños.

Sin embargo, para Ben Molar esto no fue suficiente: se propuso llevar las cosas a nivel nacional. El 23 de diciembre de ese año, a pedido del Secretario de Estado de Cultura de la Nación, Doctor Raúl Alberto Casal, organizó una despedida tanguera de ese año 1977 en el Teatro Nacional Cervantes. Pero, a cambio, Ben Molar le pidió la aprobación del decreto a nivel nacional.

En el Cervantes actuaron entonces grandes intérpretes, orquestas, cantantes y animadores y, además, se dio lectura al Decreto Nº 3781/77 del 19 de diciembre de 1977, en el que quedó establecido el 'Día Nacional del Tango' para todos los 11 de diciembre.

viernes, 10 de diciembre de 2010

- TESTA -






NACIMIENTO DE CLORINDO TESTA




Arquitecto y pintor argentino nacido en Nápoles, considerado como uno de los más destacados artistas de América Latina.

En su niñez le gustaba construir barcos y pensó por ese motivo que la Ingeniería Naval sería su destino, aunque desembarcó finalmente en la Facultad de Arquitectura. Influido por Le Corbus ...ier, se gradúo en 1948, trabajando como dibujante junto al equipo Austral formado por Ferrari Hardoy, Vivanco y Bonet, quienes desarrollaron el Plan Regulador de la Ciudad de Buenos Aires.

En 1951 comenzó su carrera como artista y arquitecto, destacando en este último campo sus edificios para el Centro Cívico de Santa Rosa (La Pampa, 1956), el Banco de Londres (1959), la Biblioteca Nacional (1962) y el Hospital Naval Central (1970). A través de dibujos, pinturas, esculturas e instalaciones, Clorindo Testa reflexiona acerca del ser humano no sólo desde su pensamiento de artista sino también desde la meditación del arquitecto, porque ambas disciplinas no están separadas en su intensa y extensa labor creativa.

Así se ha ocupado en cuestionar la mortificada y azarosa existencia urbana de hoy, la transformación de las ciudades en desiertos de soledad, las violencias y opresiones del pasado y el presente, los mitos de la historia americana y argentina y las fábulas de nuestro tiempo.

- DEMOCRACIA -





DIA DE LA RESTAURACION DE LA DEMOCRACIA



10 DE DICIEMBRE





Cumplimos hoy, 27 años de democracia ininterrumpida en nuestro país.
NO ES POCO...
Lamentablemente nuestra historia estaba escrita con muchas páginas negras de oscuros períodos de dictaduras.
...Celebremos y participemos para mejorarla!!!
Falta pero la tenemos!!!

jueves, 9 de diciembre de 2010

- AYACUCHO -






Batalla de Ayacucho






Parte de Independencia del Perú y Guerra de independencia hispanoamericana.

La batalla de Ayacucho fue el último gran enfrentamiento dentro de las campañas terrestres de las guerras de independencia hispanoamericanas (1809-1826) y significa el final definitivo del dominio colonial español en América del sur.

La batalla se desarrolló en la Pampa de Quinua o Ayacucho, Perú, el 9 de diciembre de 1824. La victoria de los independentistas supone la desaparición del contingente militar realista más importante que seguía en pie; sellando la independencia del Perú con una capitulación militar que puso fin al virreinato del Perú.

La independencia del Perú fue finalmente reconocida por España mediante un tratado firmado en París el 14 de agosto de 1879.

miércoles, 8 de diciembre de 2010

- LENONN -








‎30 AÑOS SIN LENNON




Agazapado bajo uno de los arcos de acceso al edificio Dakota de Nueva York, Mark David Chapman, de 25 años, está a punto de cambiar la historia.

Segundos después, sus cinco disparos acabarán con la vida de John Lennon, el Beatle rebelde, uno de los grandes iconos del pasado siglo y, a buen seguro, una de las mentes más talentosas de la historia.

Es lunes, 8 de diciembre de 1980. Y el mundo de la música ha quedado huérfano para siempre.La vida de John Winston Lennon (Liverpool, 1940) fue una montaña rusa desde su comienzo.

Siendo un niño se vio obligado a irse a vivir con sus tíos y separarse de su madre, que falleció atropellada por un policía borracho tiempo después, cuando John tenía 17 años. El trauma lo acompañó hasta su muerte, y salpicó su adolescencia de altercados de toda condición. Pero el destino le tenía reservada una válvula de escape: el rock and roll.

John dio sus primeros pasos en la música a los 16 años. Lo hizo con The Quarrymen, una banda de skiffle (un híbrido entre blues, folk y rock and roll) que fue rebautizada como The Beatles cuando conoció a Paul McCartney. Macca no sólo fue el cincuenta por ciento de la banda más grande de todos los tiempos, también fue su mejor amigo y contrapeso emocional.

El carácter diplomático y controlador de McCartney fue clave para templar la impulsividad y la tendencia al caos de John. Juntos formaron una arrolladora asociación creativa y una relación que, a lo largo de la carrera de los fab four, pasó del amor al odio en no pocas ocasiones.

Cuando la estabilidad de los Beatles comenzaba a tambalearse, la aparición de otra persona cambiaría para siempre la personalidad del díscolo Lennon. Yoko Ono, nacida en Japón -aunque residente en EE UU desde los dos años-, ejerció una poderosa fascinación sobre Lennon, que encontró en ella la figura materna que le fue arrebatada.

Juntos formaron otro sólido tándem en cuya base el músico se apoyó para dar forma a las canciones más reivindicativas de su carrera, desde Give peace a chance a la inmortal Imagine. A día de hoy, Ono sigue actuando de feroz guardiana de la memoria de John.

Tan lleno de contradicciones como desbordante de genialidad, John Lennon forma parte de la memoria colectiva universal. Hace 30 años, el mundo quedó huérfano de una voz combativa e incómoda. Pero sobre todo, de buena música e ideales que siguen intactos en el inconsciente imaginario de varias generaciones.

martes, 7 de diciembre de 2010

- CASTILLO -






Alberto Castillo





Alberto Castillo nació en Buenos Aires, un 7 de diciembre de 1914 y falleció en la misma ciudad, un 23 de julio de 2002.

Fue cantante de tango y actor argentino. Médico ginecólogo de profesión, dejó de ejercerla para dedicarse a su carrera artística.Nació como Alberto Salvador De Lucca en el barrio por ...teño de Floresta, Buenos Aires hijo de inmigrantes italianos Salvador de Lucca y Lucia di Paola, hace su debut profesional en los años 1930 y comienza una exitosa carrera en 1941.

Una gran interpretación del tango de Alfredo Pelala “Recuerdo”.Con su innato sentido del ritmo y su tendencia a engolar la voz, Castillo se hace un nombre de principal intérprete de los géneros musicales candombe afroargentino y de milonga porteña.Uno de sus más existosos registros fue "Cien Barrios Porteńos", a tal punto que los presentadores lo anunciaban como el "Cantor de los cien barrios porteños (sic)".

Desde 1946, Castillo aparece en muchos filmes argentinos.Castillo también fue médico ginecólogo. Con ese título pudo convencer a la familia de su prometida para dejarlos casar (porque no iban a dejarla irse con "apenas un cantor de tango"). Como hecho curioso , entre noviembre de 1951 y febrero de 1952, el popular cantante ofició fortuitamente como médico de la delegación profesional del Club Atlético Vélez Sarsfield al insolarse algunos jugadores en la ciudad de Pernambuco, en la gira que realizaba en Brasil.

Posteriormente el cantor, reconocido hincha de Vélez, ajustó algunas de sus presentaciones para acompañar al equipo el resto de la gira.[1]En la película argentina "Luna de Avellaneda" de 2004, un Castillo ficticio es llamado de urgencia para ayudar en un parto durante una kermés en un club de barrio. En dicha película el tema de cierre es “Siga el Baile" versionado por Jaime Roos.

Ya retirado, tuvo una breve incursión para grabar nuevamente su candombe “Siga el Baile”, con la banda argentina Los Auténticos Decadentes.Castillo falleció el 23 de julio de 2002 y está sepultado en el Cementerio de la Chacarita en Buenos Aires.

lunes, 6 de diciembre de 2010

- CASA DE LINIERS -






Casa de Liniers en Monserrat




La casa fue construida hacia fines del siglo XVIII para don Martín Simón de Sarratea y su familia. Santiago de Liniers, encargado de la reconquista de la ciudad luego de las Invasiones Inglesas de 1806 y 1807, vivió en ella entre 1808 y 1809.

En esta residencia el general inglés William Beres ...ford habría firmado los términos de capitulación antes de rendirse, en 1806. El edificio fue declarado Monumento Histórico Nacional mediante el decreto nº 120.412 de 1942.

La casa permaneció en manos de la familia Estrada durante las últimas décadas. Ángel Estrada fue fundador de una editorial cuya sede fue construida en un terreno adyacente, con frente sobre la calle Bolívar, y poseía además un tercer terreno que habían transformado en estacionamiento de automóviles.

A comienzos de 2009, Editorial Estrada puso en venta sus tres propiedades, con voluntad de que tuvieran utilidad pública, y la ofreció en venta al Gobierno de la Ciudad.

Hoy es patrimonio de la Ciudad de Buenos Aires; el lugar fue adquirido por el Gobieno de la Ciudad y al mediodía se llevó a cabo un emotivo acto de inauguración con la presencia de gente de la cultura porteña.

- YRURTIA -






Rogelio Yrurtia





Escultor argentino, nacido en Buenos Aires el 6 de diciembre de 1879 y murió en la misma ciudad el 4 de marzo de 1950.

Inició sus estudios artísticos con el escultor Lucio Correa Morales, con cuya hija se casó posteriormente. A principios de siglo, y becado por el Gobierno Nacional, viajó a Europa, radi ...cándose en París.

Durante breve tiempo asiste a las clases de la Academia Jlian, estudiando dibujo en la Academia Colarossi; y siéndole imposible ingresar en la Ecole de Breaux-Arts por dificultades de idioma, lleva sus trabajos realizados en Buenos Aires a un profesor de dicho instituto: el escultor Jules Félix Coutan, quien se constituye en su guía y maestro, en el transcurso de algunos meses.

Exaltado por la voz de aliento de este mentor, Rogelio Yrurtia muy pronto se libera de escuelas y academias para buscar en la obra su mensaje personal. Sin prisareúne las fructíferas experiencias que forman su acervo interior, en un trabajo infatigable de 18 horas diarias, y poco tiempo después expone un torso en el Salón de la Societé Nationale des Artists Francaises, que para Rodin, que la preside, al igual que para la crítica de la época, no pasa inadvertida, siendo comentada elogiosamente por la naturalidad del estilo y de los rasgos particularísimos del tan joven escultor argentino.

En 1903 se presenta al mismo Salón, con el grupo Las Pecadoras, su primigenia obra de resonancia, y que el crítico Camille Mauclair comenta así: "Es escultura a lo grande. Nada hay aquí equivalente. El modelado, la disposición de las figuras, se inspiran en la tumba de Philippe Pot y en los Burgueses de Calais.

Yrurtia es un artista de gran estilo, un pensador, un conmovido y un muy impresionante escultor". A este juicio laudatorio se une el de Charles Morice: "Hay, sin embargo, en los Campos Elíseos dos cosas bellas, seguramente las más bellas de los dos salones reunidos. Es la obra de un escultor argentino absolutamente desconocido hasta ahora, Rogelio Yrurtia: Las Pecadoras, un grupo de yeso. Hacía tiempo que no se nos había proporcionado un placer artístico tan puro e intenso".

Allí, en un lirismo clasicista y romántico, se maniefiesta cabalmente el plástico captador de los multánime, que vuelca su yo enriquecido con experiencias humanas, en la expresividad de su modelado. Y en esa misma época entra a formar parte de la asociación "Les Arts Reunies".

Desde entonces hasta 1910 expone regularmente en el Salón dela Societé Nationale en Paría. En 1907 obtiene por concurso el Monumento al Coronel Dorrego, la Municipalidad de Buenos Aires le encarga el Canto al Trabajo, en tanto que el Jockey Club de la capital le encomienda la ejecucio´n del grupo El Poeta ante el Dolor Humano, obra que no realiza.

Instalado en París, donde reside hasta 1921, participa con una maquette en piedra en el concurso para el Monumento a la Independencia Argentina, abierto en ocasión del Centenario.
En una muestra individual vuelve a presentarse en 1911 en las salas de Witcomb, y obtiene en ese mismo año el Gran Premio de Honor en la Exposición de Arte de Barcelona, con la cabeza Serenidad.

Trabaja obstinadamente; le urge ampliar los contenidos de las formas, obsedido por unan visión plástica que le impele a refundir las lecciones precedentes en la propia fuerza expresiva de su ideal de belleza. Así, en la ejecutoria magnífica de una técnica refinada, define su doctrina estética, confiriendo a su talenta creador esa nobleza absoluta y segura que robustece con adquisiciones definitivas el arte de su suelo natal.

Ya en 1916, mientras comienza a trabajar en el Monumento a Rivadavia, que obtiene sin concurso, funde su Canto al Trabajo, concurriendo también al Salón Nacional de Buenos Aires.

En los años 1925 y 1937 se le otorgan Medallas de Oro, en las exposiciones del Círculo de Bellas Artes y en el Salón Municipal de Rosario, respectivamente; y en 1939 concurre a la Feria Internacional de Nueva York y al Salón de Viña del Mar (Chile), donde le otorgan el Premio de Honor.

Así hasta el fin de sus días Rogelio Yrurtia va concretando su esquema del mundo. Aunque su extrema vigilancia y su gran desvelo lo hayan vencido alguna vez de fatiga, su obra es la de un artista de proyecciones universales, que enlaza con la obra de los artistas de todos los tiempos por su inconfundible acento personal, porque es distinta, y poque es la obra de un espíritu que sabe gobernar sus movimientos con el arte necesario y providencial de los creadores de la belleza.
En su casa, convertida en Museo, cada obra nos habla de la posibilidad de un idealismo y de su lógica con el lenguaje limpio de sus masas de grave y noble plasticidad.

Fue por sobre todo un artista argentino, pues amó a su tierra, sintiéndose sólidamente arraigado en ella. Desde los días iniciales de su carrera quiso dejar en ella una obra perdurable. Por eso se celebra en él a un gran artista y a un hombre de la generación de los pioneros, a un fundador de su cultura. Fue profesor de la Academia Nacional de Bellas Artes desde 1921 hasta 1923: miembro de la Comisión Nacional de Bellas Artes, en 1921 y académico en 1939.
Sus obras figuran en los museos de Moscú, Barcelona, Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, así como en los museos de La Plata, de Rosario y Santa Fé.

En Buenos Aires están emplazadas las siguientes obras de Yrurtia: Canto al Trabajo, 1922, Paseo Colón e Independencia; Monumento a Dorrego, 1926, Viamonte y Suipacha; Mausoleo a Rivadavia, 1932, Plaza Miserere; Monumento al Dr. Castro, Hospital de Clínicas.

- VOLUNTARIADO -





Día Internacional de los Voluntarios para el Desarrollo Económico y Social





En 1985, la Asamblea General de las Naciones Unidas invitó a los gobiernos a celebrar todos los 5 de diciembre como el Día Internacional de los Voluntarios para el Desarrollo Económico y Social para alentar quince años después de la creación del Programa de Voluntarios de las Naciones Unidas, los servicios de voluntarios.

Los exhortó también a tomar medidas para que se cobre mayor conciencia de la importante contribución que aportan los voluntarios, lo cual estimulará a las personas de toda condición a ofrecer sus servicios como voluntarios, tanto en sus países de origen como en el extranjero (Resolución 40/2112, de 17 de diciembre de 1985).

sábado, 4 de diciembre de 2010

- LUJAN -







Basílica de Nuestra Señora de Luján





La Basílica de Nuestra Señora de Luján se erige en la ciudad de Luján, a unos 70 km al oeste de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, en la provincia de Buenos Aires.

Es uno de los más importantes casos del estilo neogótico de Argentina, junto con las catedrales de La Plata y San Isidro .... Es un error frecuente el considerarla catedral de la diócesis a la que pertenece, ya que aquella se encuentra en la ciudad de Mercedes.
Está dedicada a Nuestra Señora de Luján, la patrona de la Argentina.

Tiene una longitud de 104 m y su ancho es de 68,5 m en el crucero y de 42 m en el frente. Posee dos torres de 106 m de altura, con una gran cruz en cada una.

Su origen se remonta al año 1685 cuando en el lugar se levanta una pequeña capilla. En 1730 adquirió el carácter de parroquia. Con la cantidad de fieles en aumento, se decidió construir un templo más grande, que se inauguró el 8 de diciembre de 1763. En 1905 se demolió este santuario.

El 6 de mayo de 1890 el Padre Jorge María Salvaire comenzó la construcción del edificio que se encuentra hoy en pie. El arquitecto a cargo de la obra fue el francés Ulderico Curtois. En diciembre de 1910 fue inaugurada y bendecida la iglesia, si bien las torres aún no existían. El 15 de noviembre de 1930 el Papa Pío XI le otorga el título de basílica. El templo se pudo finalizar recién en 1935.

La diócesis de Mercedes fue establecida el 20 de abril de 1934, con la bula "Nobilis Argentinae nationis", de Pío XI. El 10 de mayo de 1996 se le agregó el título de Luján, y desde entonces es la diócesis de Mercedes-Luján. Fue elevada al rango de arquidiócesis "dependiente directamente de la Santa Sede" el 21 de noviembre de 1997, con la bula "Omnibus Satis Sonstat", de Juan Pablo II.

Comprende, en la provincia de Buenos Aires, los partidos de Alberti, Carmen de Areco, Chacabuco, Chivilcoy, General Las Heras, General Rodríguez, Junín, Leandro N. Alem, Lobos, Luján, Marcos Paz, Mercedes, Navarro, San Andrés de Giles y Suipacha.
Monseñor Juan P. Chimento, siendo obispo auxiliar de La Plata, fue nombrado el 13 de septiembre de 1934 por Pío XI primer obispo de la nueva diócesis. El 26 de octubre de 1938 el mismo Papa lo promovió a arzobispo de La Plata.

viernes, 3 de diciembre de 2010

- MEDICO -





3 de Diciembre


Día del médico





El Día del Médico, en América, fue decretado en el Congreso Médico reunido en Dallas (Texas) en 1933, en homenaje al nacimiento del doctor Juan Carlos Finlay, médico investigador, nacido en Puerto Príncipe (Cuba) un 3 de diciembre de 1833.


Dr. Juan Carlos Finlay Finlay fue quien confirmó la teoría de “ La propagación de la fiebre amarilla a través del mosquito” el Aedes aegypti, en una presentación realizada en la Academia de Ciencias de la Habana el 14 de agosto de 1881.

Abrió de este modo un camino en el progreso médico en la América tropical, evitó miles de muertes en América latina y facilitó la evolución de la construcción del canal de Panamá debido a que muchos obreros morían a causa de esta enfermedad.

En la Argentina, festejamos el Día del Médico desde hace más de cincuenta años por iniciativa del Colegio Médico de Córdoba, avalada por la Confederación Médica Argentina, y oficializada por decreto del gobierno nacional, en 1956.

La Argentina exhibe una de las mayores proporciones de médicos por habitante del mundo con un promedio de 26.8 médicos por cada 10.000 habitantes, el número de médicos crece históricamente a una tasa anual superior a la de la población: mientras la población aumenta a un ritmo de 1,5 % anual, los médicos lo hacen al 5 por ciento. Esto no logra otra cosa que una despersonalización de la medicina y la transformación del médico en el elemento de ajuste de una economía en crisis.

Tal vez éste pueda ser un día de reflexión para todos nosotros, para tratar de encontrar los mecanismos que permitan que la profesión médica siga siendo la más digna de las profesiones.

- MARMOL -







José Mármol




Nació en Buenos Aires el 2 de diciembre de 1817.
Estudió derecho en la Universidad de Buenos Aires, pero no terminó sus estudios y se entregó a la política. En 1839 fue detenido seis días, por el gobierno de Juan Manuel de Rosas.

Temiendo por su vida, poco después partió como secretario del ministro plenipotenciario ante el Imperio del Brasil, general Tomás Guido.
Una infidencia por documentos que envió al ministro inglés en Río, causó la separación de su cargo de secretario.

Se instaló en Montevideo, donde se reencontró con varios miembros de la Asociación de Mayo, como Juan Bautista Alberdi, Florencio Varela, Esteban Echeverría, Juan María Gutiérrez y Miguel Cané. Dado que todos estos habían sido perseguidos por el gobierno de Juan Manuel de Rosas, decidió exagerar sus sufrimientos durante los días que había estado en la comandancia de policía. Publicando un poema dedicado a Rosas, que incluía la dramática frase que supuestamente había escrito con carbón en las paredes de su celda:
“Como hombre te perdono
mi cárcel y cadenas...”

Escribió en periódicos como “El Nacional”, de Andrés Lamas, y “El Comercio del Plata”, de Florencio Varela. Publicó dos dramas de inspiración política y escribió una multitud de poemas y novelas panfletarias contra Rosas.
A partir de 1844 inició la publicación en formato de folletos de Amalia, una novela de costumbres y autobiográfica que por entonces no alcanzó a terminar.

En 1845 se embarcó hacia Chile, pero una tempestad desvió tanto el buque que lo llevaba que terminó en Río de Janeiro. No logró ser nuevamente aceptado por Guido, por lo que hizo un viaje a Colombia, donde residió algún tiempo en Medellín, donde contrajo una enfermedad venérea.

De regreso en Montevideo publicó sucesivamente tres periódicos, siendo el más importante La Semana, y colaboró en muchos otros. Se destacó por la vehemencia y pasión con la que atacaba a Rosas. En 1847 publicó en Montevideo seis cantos (aunque debió haber tenido doce) del poema Cantos del peregrino, autobiográfico y compuesto al compás de sus andanzas, aunque inspirado por el Childe Harold, de Lord Byron.

En 1847 publicó un drama, El poeta, que fue seguido por otro único drama, El cruzado, del año 1851. Ese mismo año publicó su agrupación de poemas líricos, titulada Armonías. Destacan en él su sensibilidad descriptiva y sus pasajes amorosos. Contiene también imprecaciones políticas, nunca ausentes en la obra de Mármol, cualquiera sea su género, pero el conjunto resulta algo irregular. En Mármol se vislumbran influjos de —aparte del ya citado Byron— Chateaubriand, José de Espronceda y José Zorrilla.

En 1852, tras la caída de Rosas, regresó a Buenos Aires, donde el presidente interino Justo José de Urquiza lo nombró ministro plenipotenciario en Chile. La separación del Estado de Buenos Aires de la Confederación Argentina frustró ese segundo proyecto de viajar a Chile.

Detalle de su tumba en el cementerio de la Recoleta
Terminó de publicar en Buenos Aires su novela Amalia, que editó también en forma de libro en 1855, y que es considerada la primera novela conocida en la Argentina.
Fue senador provincial, y más tarde diputado a la Convención Constituyente del año 1860. En 1865 fue enviado al Brasil por el presidente Bartolomé Mitre, donde ajustó la Triple Alianza y las primeras operaciones de la Guerra del Paraguay.

Desde 1868 dirigió la Biblioteca Nacional, hasta que enfermó de un grave mal en la vista y se retiró de toda actividad.

Falleció en Buenos Aires en 1871, en plena epidemia de fiebre amarilla. Sus restos yacen en el Cementerio de la Recoleta.

miércoles, 1 de diciembre de 2010

- SIDA -





LUCHA CONTRA EL SIDA


1º de diciembre




En 1988 la Asamblea General de las Naciones Unidas manifestó su profunda preocupación por la propagación del síndrome de inmunodeficiencia adquirida (SIDA) y decidió establecer un día para que el mundo tomara conciencia de esta grave enfermedad y de la necesidad de un plan de lucha. ...

El Día Mundial del SIDA ha llegado a ser un acontecimiento anual en la mayor parte de los países. Aunque se ha fijado el 1º de diciembre como fecha, en muchas colectividades se organizan actividades en los días precedentes y posteriores a la conmemoración oficial, proporcionando una oportunidad importante para despertar el interés por el HIV y por el SIDA en el público en general, transmitir mensajes de prevención, mejorar la asistencia de los infectados por el HIV y luchar contra el rechazo y la discriminación.

- SUBTE -



‎1º de Diciembre de 1913


BUENOS AIRES FUE PIONERA


INAUGURACION DEL PRIMER SUBTERRANEO DE LATINOAMERICA



La construcción estuvo a cargo de la empresa 'Compañía de Tranvías Anglo Argentina'. Se tardó 26 meses en llevar a cabo esta obra realizada a cielo abierto.

La inauguración del primer tramo de la Línea "A" contó con la presencia de autoridades nacionales y comunales, además de distinguidas personalidades de la época. El recorrido cubría desde Plaza de Mayo hasta Plaza Miserere y realizaba el trayecto por debajo de la Avenida de Mayo y Rivadavia.

Los trenes tenían hasta seis vagones cada uno, lo que permitía el traslado de 17 mil pasajeros por hora. De este modo, el viaje resultaba más rápido que los que ofrecía en ese entonces el transporte a nivel.

martes, 30 de noviembre de 2010

- LAFERRERE -





Gregorio de Laferrere




ANIVERSARIO DE SU FALLECIMIENTO





(1867-1913), escritor argentino, nacido en Buenos Aires, que encabeza la ‘época de oro’ de la escena nacional.

Hijo de padre francés y madre argentina, fue por sobre todas las cosas un político que supo mostrar al mundo la delicadeza y el amor al arte de los criollos americanos. Lo demostró en cada ... uno de los lugares del mundo en los que le toco actuar.

En el año 1889 viajó a Europa y a su regreso fundó y dirigió varias instituciones políticas tales como el Partido Nacional Independiente y la Acción Popular.
En el año 1893 es elegido Diputado Provincial y en 1898 Diputado Nacional, banca que ocupó hasta 1908.

Además se desempeño brillantemente como Intendente Municipal de la comuna de Morón.Fundó un periódico en el que actuaba con el seudónimo de Abel Stewart Escalada; así se inició en las letras.

Creó el Conservatorio Lavardén para el fomento del teatro y de la formación de actores.
Su dramaturgia está dentro de la comedia humorística reidera y casi bufona, cuyo escenario es la sociedad porteña entre 1890 y 1910, principalmente la burguesía.

Entre sus obras más importantes se pueden señalar: ¡Jettatore! (1905), Bajo la garra (1906), Las de Barranco (1908) y Los invisibles (1911).
Su trágico deceso se produce en la ciudad de Buenos Aires.

lunes, 29 de noviembre de 2010

- OPERA -






QUE ES LA OPERA




La ópera, uno de los géneros más importantes de la música del siglo XVII, participa del drama, de la escena y de la música instrumental y vocal.

Con el tiempo, se ha convertido en una de nuestras señas fundamentales de identidad cultural.Corno drama musical, la música interviene activamente en el desarro ...llo argumental de la ópera, en la descripción de los ambientes y en la fijación de los caracteres de los distintos personajes. Así pues, música, drama, poesía, artes escénicas y danza conviven en un género que, además, pone en juego otros elementos importantes: el director de escena y, en ocasiones, el coreógrafo, parte decisiva en el sistema.

La ópera ha suscitado y suscita tomas de postura críticas y protagoniza más escándalos y honores que otros géneros musicales, quizá debido al interés que despierta en el público, en su manera de sentir la música, la cultura y su identidad social. A lo largo de su historia, la ópera ha constituido una manifestación de la mentalidad de la época. Desde sus orígenes en los ambientes de las cortes nobiliarias hasta el siglo XX, se ha ocupado de ensalzar los valores monárquicos, de criticar ciertas costumbres morales de la nobleza, de ensalzar a las clases más desfavorecidas, de difundir idéales políticos y revolucionarios, de justificar el orden existente o de subvertir los cánones sociales o morales impuestos.

El nacimiento de la ópera se relaciona con ciertos géneros dramáticos de tipo religioso, los misterios y las pastorales que se componen e interpretan durante el siglo XVI; pero la ópera es un producto humanista, experimental, un ensayo artístico de un grupo de intelectuales, que, reunidos en Florencia en la etapa final de dicha centuria, plantearon una alternativa al drama musical del momento, reivindicando la tragedia y la comedia griegas. Los miembros de este grupo integraron la denominada Camerata Florentina.

La Camerata creó un género dramático y musical en un intento por hacer renacer la música y el teatro griegos. Como la música de la Grecia clásica no se conocía, surgieron hipótesis y teorías acerca de cómo debía ser la interpretación musical en la Antigüedad. La tesis principal sostenía que el drama griego era dialogado y cantado, de tal forma que ¡a inflexión de la declamación vocal no distorsionaba la transmisión de los textos, cargados muchos de ellos de gran emotividad y fuerza psicológica. La primera experimentación de la Camerata se hizo con canciones en las que se respetó la declamación verbal hablada, intentando dar a cada sílaba una nota para que se entendiera todo el texto.

Un laúd o un clave hacían de acompañamiento enriqueciendo armónicamente el canto (incluso con disonancias para dotar de mayor expresividad algunas partes de la canción más tensas o dramáticas) y conteniendo el ritmo. Asimismo, los pasajes que interesaba recalcar por su interés te del intermedio. El resultado fue un trabajo estructuralmente más equilibrado y musicalmente más rico, más sincronizado con el desarrollo dramático. De Peri y Caccini adoptó el recitativo con continuo, aunque lo dotó de mayor fuerza expresiva y dramática.

A estos recitativos se unieron partes cantadas con orquesta, denominadas «recitativo ario-so», y arias, coros y una orquesta muy desarrollada que interpretaba sinfonías, ritornelii y danzas. Roma y la corte papal se convirtieron en un importante centro de evolución de la ópera después de la experiencia de Monteverdi. Dos músicos romanos, Benedetto Ferrari y Francesco Manelli, ante la inminente muerte del papa Urbano VIII, se trasladaron a Venecia. En esta ciudad comenzaron a componer óperas, pero no para un auditorio aristocrático o de corte, sino para el público en general, ya que consideraron que la pujante burguesía veneciana podía financiar representaciones de este tipo. En 1637 se estrenó el primer teatro de ópera en la cosmopolita ciudad mediterránea; el Teatro San Cassiano.

Fue también en Venecia donde Monteverdi (L’incoronazíona di Poppea, 1642, e II ritorno d’Ulisse in patria, 1640) continuó su carrera y donde surgieron nuevos compositores, como Cavalli y Cesti. Desde mediados del siglo XVIIy durante el XVIII, Nápoles se transformó en un centro operístico de primer orden. La escuela napolitana tuvo como maestro indiscutible a Alessandro Scarlatti (1660-1725), y creó dos subgéneros, la opera seria y la opera buffa.

La ópera seria fue el que tuvo mayor aceptación. Alternaba Los recitativos para la acción y las arias para la manifestación de los sentimientos de los personajes. La sinfonía operística napolitana era la encargada de la obertura. Hacia 1720 surgió la costumbre de interpretar, en los entreactos de la ópera seria, breves óperas con argumento cómico, a modo de interludios. Surge así la ópera bufa, cuyo contenido dramático fue deudor de la commedia dell’ arte italiana. Su estilo vocal es más sencillo que el de la ópera seria. Pergolesi fue el compositor más déstacado.

La serva padrona (1733) es una obra maestra del género, punto de partida de una modalidad que, si bien se concibió como un mero entretenimiento cómico, paulatinamente deviene en comedia de tipo social, que desemboca en la ópera de Mozart y Rossini, a través de una sabia naturalización del desarrollo escénico con la mezcla de elementos de Las óperas seria y bufa. La ópera francesa mantuvo su independencia de la italiana desde sus orígenes, con el ballet de cour y la comédie ballet, ambos creados a finales del siglo XVI, y se consoíidó con la tragédie lyrique de Lully, en la siguiente centuria.

Este último subgénero, al igual que las comedias barrocas francesas, constaba de cinco actos, recitativos musicales, arias, coros, danzas y una obertura francesa (que en el siglo XIXse impondrá sobre la sinfonía al estilo napolitano). Como reacción a la llegada a París de la ópera bufa italiana de Pergolesi, en 1752 se creó la opera comique, con textos hablados.

La ópera francesa resultó diferente de la italiana; se tendió más a la utilización del recitativo que a la del aria, ésta más breve que la italiana y más simple tanto en ritmo como en estructura (normalmente eran binarias o tenían forma de rondó). En suma, la ópera había creado a finales del siglo XVIII un número de modelos fijos que se difundieron por toda Europa; mientras que en Francia predominaba la ópera francesa, en el resto de Europa triunfaba lo italiano.

Por encima del desarrollo dramático estaban los cantantes, verdaderos divos y virtuosos de la voz. Ello desembocó en una profunda reforma, que, desde París, protagonizó Gluck; su Orfeo y Eurídice, estrenada en 1762, despojó a la acción del ornato y la suntuosidad barrocas con el objetivo de naturalizar a los personajes y agilizar el desarrollo dramático. La ópera seria adoptó también los dúos, tercetos o cuartetos vocales usados en la ópera cómica, al mismo tiempo que ésta utilizaba personajes hasta el momento coto exclusivo de la ópera seria. Mozart fue, sin duda, el compositor que remató esta interesante mezcla de subgéneros y el que culminó la reforma iniciada por Gluck: las bases de la ópera del siglo XIX estaban sentadas.

viernes, 26 de noviembre de 2010

- GOETHE -







Johann Wolfgang Goethe





(Frankfurt, 1749-Weimar, id., 1832)

Escritor alemán. Nacido en el seno de una familia patricia burguesa, su padre se encargó personalmente de su educación. En 1765 inició los estudios de derecho en Leipzig, aunque una enfermedad le obligó a regresar a Frankfurt. Una vez recuperada la salud, se tra ...sladó a Estrasburgo para proseguir sus estudios. Fue éste un período decisivo, ya que en él se produjo un cambio radical en su orientación poética. Frecuentó los círculos literarios y artísticos del Sturm und Drang, germen del primer Romanticismo y conoció a Herder, quien lo invitó a descubrir a Homero, Ossian, Shakespeare y la poesía popular.

Fruto de estas influencias, abandonó definitivamente el estilo rococó de sus comienzos y escribió varias obras que iniciaban una nueva poética, entre ellas Canciones de Sesenheim, poesías líricas de tono sencillo y espontáneo, y Sobre la arquitectura alemana (1773), himno en prosa dedicado al arquitecto de la catedral de Estrasburgo, y que inaugura el culto al genio. En 1772 se trasladó a Wetzlar, sede del Tribunal Imperial, donde conoció a Charlotte Buff, prometida de su amigo Kestner, de la cual se prendó. Esta pasión frustrada inspiró su primera novela, Los sufrimientos del joven Werther, obra que causó furor en toda Europa y que constituyó la novela paradigmática del nuevo movimiento que estaba naciendo en Alemania, el Romanticismo.

De vuelta en Frankfurt, escribió algunos dramas teatrales menores e inició la composición de su obra más ambiciosa, Fausto, en la que trabajaría hasta su muerte; en ella, la recreación del mito literario del pacto del sabio con el diablo sirve a una amplia alegoría de la humanidad, en la cual se refleja la transición del autor desde el Romanticismo hasta el personal clasicismo de su última etapa. En 1774, aún en Frankfurt, anunció su compromiso matrimonial con Lili Schönemann, aunque rompió el noviazgo dos años más tarde; tras aceptar el puesto de consejero del duque Carlos Augusto, se trasladó a Weimar, donde estableció definitivamente su residencia.

Empezó entonces una brillante carrera política (llegó a ser ministro de Finanzas en 1782), al tiempo que se interesaba también por la investigación científica. La actividad política y su amistad con una dama de la corte, Charlotte von Stein, influyeron en una nueva evolución literaria que le llevó a escribir obras más clásicas y serenas, abandonando los postulados individualistas y románticos del Sturm und Drang.

En esa época empezó a escribir Los años de aprendizaje de Wilhelm Meister (1795), novela de formación que influiría notablemente en la literatura alemana posterior. En 1786 abandonó Weimar y la corte para realizar su sueño de juventud, viajar a Italia, el país donde mejor podía explorar su fascinación por el mundo clásico. De nuevo en Weimar, tras pasar dos años en Roma, siguió al duque en las batallas prusianas contra Francia, experiencia que recogió en Campaña de Francia (1822). Poco después, en 1794, entabló una fecunda amistad con Schiller, con años de rica colaboración entre ambos. Sus obligaciones con el duque cesaron (tan sólo quedó a cargo de la dirección del teatro de Weimar), y se dedicó casi por entero a la literatura y a la redacción de obras científicas.

La muerte de Schiller, en 1805, y una grave enfermedad, hicieron de Goethe un personaje cada vez más encerrado en sí mismo y atento únicamente a su obra. En 1806 se casó con Christiane Vulpius, con la que ya había tenido cinco hijos. En 1808 se publicó Fausto y un año más tarde apareció Las afinidades electivas, novela psicológica sobre la vida conyugal y que se dice inspirada por su amor a Minna Herzlieb. Movido por sus recuerdos, inició su obra más autobiográfica, Poesía y verdad (1811-1831), a la que dedicó los últimos años de su vida, junto con la segunda parte de Fausto.

- PIANA -





SEBASTIAN PIANA







Pianista, director, compositor y docente.

Nació en Buenos Aires el 26 de Noviembre de 1903 en el barrio de Almagro, en el hogar de una familia de inmigrantes italianos.

Su padre era peluquero y músico aficionado, tocaba varios instrumentos como el mandolín, la guitarra y el piano. Fue él quien lo alentó musicalmente desde pequeño, regalándole diversos instrumentos. Ya a los 10 años estudiaba música junto a su padre.

Estudió también en el instituto Musical Odeón, con el maestro D´Agostino. Debutó en un trío infantil cuando solo tenía 12 años. De manera profesional lo hizo cuando tenía 17 años en un cine de barrio tocando valses y fragmentos de óperas, Además era profesor de piano, esto refleja su precocidad en cuanto a la música.

En 1922 se presentó por primera vez en radio. Cuatro años más tarde, en 1926, conoce a Homero Manzi con quién formara un equipo famoso por escribir numerosos temas en los años siguientes. Hacia 1930 Rosita Quiroga le encargó a Homero Manzi que escribiera una milonga y éste le pidió a Piana que compusiera la música, para así poder escribir los versos. Fue ahí que compuso "Milonga del 900", pero a su gusto estaba muy bien, y en lugar dedarle la música a Manzi, se la dio a Gonzalez Castillo, quien era el que le había puesto letra a su primer tango "Sobre el Pucho".

Manzi insistía en la música para su milonga y así, en tan solo una hora, Piana compuso "Milonga sentimental" que sería un gran éxito para la época y que ha sido interpretada por diversos cantantes aún en la actualidad. El final de la historia es más que irónico ya que "Milonga del 900" recién tuvo versos tres años después de haber sido compuesta por Piana, y fue Manzi quien se los escribió.

Siguió componiendo milongas acompañadas por los versos de Manzi, como: "Pena Mulata", "Ropa Blanca" o la muy famosa "Negra María". Piana es, además, autor de "Milonga triste" (Letra: Homero Manzi.1937), "Milonga de los fortines", "Milonga de Juan Manuel", "Milonga de Puente Alsina" y también de un conjunto de temas en colaboración con el poeta León Benarós, como "La Milonga de Arolas". La milonga por aquellos tiempos estaba relegada a tan sólo letra, fue Piana quien la renovó porque la música, según él, era lo fundamental.

Piana fue también autor de temas que figuran entre los mejores tangos como "Silbando" (Letra: José González Castillo.1923), "Tinta Roja" (Letra: Cátulo Castillo.1941), "De barro", "El pescante" (Letra: Homero Manzi. 1934), "No aflojes" (Letra: Mario Battistella. Música en conjunto con Pedro Maffia. 1934), "El parque de artillería", "Son cosas del ayer", entre otros. Aún a los 90 años seguía componiendo y dando clases.

Escribió alrededor de quinientos temas y fue pesidente de la Academia Porteña del Lunfardo. Murió el 17 de Julio de 1994.